[서울문화인] 20세기 중반 미국 도시인들의 삶의 한 현장을 마주하는 듯한 레트로(retro)적인 분위기, 이는 마치 오랜 된 고전 영화의 한 장면 같은 미장센 기법(Mise-en-Scène)이 동시에 공전하는 듯 시공간을 넘나드는 연출은 과거로 회귀한 듯한 상상력을 자극한다. 리만머핀 서울에서 지난 5월 9일부터 6월 22일까지 알렉스 프레거(Alex Prager, b.1979)의 개인전 《웨스턴 메카닉스 Western Mechanics》를 선보이고 있다. 알렉스 프레거가 생소할 수도 있지만 2022년 롯데뮤지엄에서 대규모 기획전을 통해 국내 대중들에게 알려졌다. 그의 작품 전반에는 미국적인 감성과 일상적 이미지가 내재되어 있지만 과거 미국 영화를 많이 접하였던 사람들에게는 약간은 익숙하면서도 동양적 감성과는 결을 달리하고 있다. 알렉스 프레거(b.1979)는 대중문화와 영화산업의 본거지라 할 수 있는 로스앤젤레스에서 태어나고 자라면서 자연스럽게 그에 많은 영향을 받은 사진뿐 아니라 영화 제작 등 다양한 분야에 도전하면서 자신만의 예술세계를 구축하고 있다. 그는 정식으로 사진과 영상에 대한 교육을 받은 적은 없었으나, 2001년 장 폴 게티 미술관(J. Paul Getty Museum)에서 컬러 사진의 아버지라 불리는 미국을 대표하는 사진작가이자 미국의 평범한 풍경을 작품에 담고, 삶과 일상 속의 낭만을 포착한 윌리엄 이글스턴(William Eggleston, 1939-)의 전시를 보고 깊이 감동한 것이 사진 작업을 시작한 계기가 되어 다른 사람들에게도 이런 ‘마법 같은 순간’을 선사하고 싶다는 생각에 사진에 대한 독학을 시작했다. 프레거의 첫 사진 작업은 할리우드 영화배우였던 할머니의 친구로부터 어린 시절에 선물 받은 50~60년대 촬영용 의상과 가발 등이 들어있었던 상자를 열어 보고 받은 영감이 활용되었다. 1950년대를 연상시키는 가발을 쓴 여자들이 등장하는 작품은 현실과 판타지가 혼재한 영화의 한 장면 같은 분위기를 연출하며, 이후 프레거의 작품의 대표적 특징으로 자리 잡았다. 특히 문화적 공동 기억을 활용해 익숙하면서도 낯설게 느껴지는 장면을 포착, 작가가 직접 하나하나 계획하여 연출한 등장인물, 20세기 중반부터 현재에 이르는 시대를 떠오르게 하는 의상, 헤어스타일과 포즈 그리고 도시 곳곳의 풍경들은 시간을 초월한 듯한 분위기를 나타내고 향수를 불러일으킨다. 또한, 작가는 화면 속 그 장소에 어울리지 않을 법한 등장인물들을 배치해 시간을 뛰어넘어 현실과 허구의 경계를 허무는 세상을 표현해 내고 있다. 프레거의 작품이 영화의 한 장면을 보는 듯한 연출은 또 다른 직업으로 이끌었다. 프레거는 영화를 ‘움직이는 사진’이자 ‘완전한 감각을 가진 사진’으로 정의, 영화 작업에 매진하여 2010년 단편영화 <절망 Despair>을 발표하는 것과 동시에 2011년 뉴욕타임스 매거진을 위해 제작한 13부작 영화, <터치 오브 이블 Touch of Evil>(브래드 피트, 게리 올드먼 외 출연)이 2012년 미국 텔레비전 방송계의 최고상인 에미상(Emmy Award)을 수상하며 명실상부하게 영향력 있는 영화제작자로서도 자리매김하게 했다. 이번 전시 《웨스턴 메카닉스》는 작가의 첫 장편 영화인 <드림퀼 DreamQuil> 제작과 병행하여 기획된 전시로 양자 모두 유사한 주제를 탐구하는데, 특히 <드림퀼>에서 작가는 기술의 발전과 자연 질서의 와해를 이야기한다. 동명의 작품 <웨스턴 메카닉스>(2024)에서는 테오도르 제리코(Théodore Géricault)의 회화 <메두사호의 뗏목 The Raft of the Medusa>(1818-19)이나 외젠 들라크루아(Eugene Delacroix)의 <민중을 이끄는 자유의 여신 Liberty Leading the People>(1830)과 흡사한 여러 인체가 얽힌 역동적 구도를 묘사하며, 역사적 기억과 결합시켰다. 그러나 군상 뒤에는 미국적 풍물로 변용된 말과 산, 하늘이 놓여 있다. 프레거는 성조기, 지구본, 여성 속옷 등 일상적이면서도 상징적인 사물을 구도 전반에 분산시킴으로써 친숙한 시각 언어에 극적인 장면을 주입하고 있으며, 의도적으로 기하학적 구도 안에 뒤얽힌 인물들을 배치해 복잡한 화면 속에서 짜임새 있는 조직감을 도모했다. 이처럼 연출된 강렬하고 고요한, 동시에 낙관적인 무질서는 현시대를 살아가는 존재에 내재된 모순을 가리킨다. 또한, 프레거의 거대 서사는 종종 추락하는 여성이나 멈춰진 순간 등 작품에서 반복적으로 등장하는 모티프를 통해 나타난다. <할리우드(데이) Hollywood (Day)>(2024)에서 한 여성이 하늘에서 떨어진다. 이는 고요함 속에 포착된 단 하나의 극적인 움직임이다. 그 특정하고도 긴박한 순간은 단편적이지만 머릿속에 오래 머무는 기억의 본질을 반영하며, 작품에 해석의 여지를 남긴다. 위와 같이 작가가 다양한 방식으로 작품에 삽입한 정서적, 심리적, 물리적 서스펜스는 작업 전반에 내재하는 예측 불가한 불안감을 고조시킨다. 현실과 가공 사이를 탐색하는 프레거의 신작 사진은 현대 사회를 지탱하는 근간에 대한 근원적 질문을 제기하고, 관객을 끝없는 전이 상태에 놓이게 한다. 주의 깊게 연출된 그의 작품은 우리의 전이적 현실을 진솔하게 반영하고, 이는 다시 우리에게 미래의 무한한 가능성을 선사한다. 프레거의 작품은 현재 한남동 현대카드 뮤직 라이브러리에서도 만나볼 수 있다. 2020년 현대카드 커미션으로 광장 외벽 및 천장에 설치된 <플레이 더 윈드 Play the Wind>(2019)는 2025년까지 대중에 공개된다. 또한, 작가는 최근 로스앤젤레스 공항철도 전동차 시스템에 활용될 단편 영화를 의뢰 받았고, 2025년 상영을 앞두고 있다. 6월 22일까지 진행된다. [허중학 기자]

‘레트로토피아’을 통해 다시 ‘저엔트로피’의 유토피아를 꿈꾸다. [서울문화인] 예술을 하는 작가가 더 이상 물감을 구입하지 않고 물감을 소진하는 프로젝트를 진행한다는 의미는 무엇일까? 더 이상 작업에 대한 미련이 없다는 것일까... 그러나 작가의 이번 프로젝트에 담긴 의미는 단순 붓을 놓겠다는 의도는 아니다. 점의 확장인 원, 그리고 면, 선의 모더니즘적 기하학적 도형의 회화 작업을 꾸준히 선보여 오고 있는 김용익 작가가 국제갤러리 부산과 서울 한옥 공간에서 동시에 개인전 《아련하고 희미한 유토피아》를 진행하고 있다. 국제갤러리에서 2018년 이후 6년 만에 열리는 작가의 세 번째 진행되는 개인전이지만 이번 전시는 작가가 최근 천착하는 ‘물감 소진 프로젝트’를 전시를 본격적으로 소개하는 전시로 그의 2016년부터 최근까지의 근작 46점(부산점 19점, 서울점 한옥 27점)을 다루고 있다. 김용익 작가(b. 1947)는 지난 2018년 12월 31일을 기점으로 ‘물감 소진 프로젝트(Exhausting Project)’라는 제목의 새 연작을 시작했다. 현재진행형인 이 연작은 지금 작가에게 남아있는 물감, 색연필 등 회구(繪具)들을 그의 여생에 걸쳐 모두 소진(消盡)하는 프로젝트이다. 남아있는 회구(繪具, 그림을 그리는 데 쓰는 물감, 붓 따위)를 색깔별로 골고루 소진하고자 화폭을 잘게 나누어 작업한 결과, 작품은 기하학적 도형의 모양을 띄며 김용익이 예술가로서 평생 추구해온 ‘저엔트로피(low entropy 에너지 낭비의 최소화)적인’ 삶의 방식을 캔버스에 담아내고 있다. 작가는 이전 작업을 ‘모더니즘 프로젝트’라 칭할 수 있다. 이 프로젝트는 궁극적인 추구는 ‘계몽주의로 각성된 인간의 이성이 자연과 인간, 그리고 이 세계를 탐구하여 새로운 사실들을 발견하고, 이를 통하여 과학과 기술의 발전과 진보가 인류를 유토피아로 인도할 것이라는 꿈’이다. 그러나 그는 끊임없는 전쟁과 테러, 그리고 기후 위기는 모더니즘 프로젝트의 실패를 예증하며 자신은 “한국전쟁 이후 현대를 살아오면서 어릴 때는 상상도 못했던 의식주의 풍요함을 누리며 살고 있다. 모더니즘 프로젝트가 제공하는 달콤한 열매에 중독되어 있는 것이다. 휴대폰과 컴퓨터와 자가용 없이는 살 수 없는 삶을 살고 있다.”며 이전의 작업과는 그 궤를 달리하는 작업이라 할 수 있다. 기하학적 도형과 얇게 발린 물감 등 비교적 단순한 규칙을 따르는 듯 보이는 ‘물감 소진 프로젝트’에도 과거의 조형적 특성이 보이지만 그 이면에는 보다 광활한 우주변화의 원리에 대한 작가의 관심사인 동양의 ‘주역’ 사상이 내제되어 있다. 종이 혹은 캔버스 위에 그려진 기하학적 도형들은 실제 『주역』이 미래에 대한 방향성을 제시하기 위해 상징적으로 만든 괘(卦)의 형태를 차용하거나, 중국의 전통 우주론의 바탕이 되는 천원지방(天圓地方), 즉 “하늘은 둥글고 땅은 모나다”의 개념에서 빌려온 원과 사각형으로 구성되어 있다. 이전 작업에도 도형이 등장한다. 그러나 그것은 모더니즘적 의미를 가지고 있다. 그러나 그것만으로 작가의 철학을 대변할 수 없었는지 작가의 캔버스에는 작가의 생각과 철학이 묻어나는 글들을 곳곳에서 발견할 수 있다. 그러나 이번 프로젝트는 ‘주역’의 철학의 개념을 상징적으로 담아내었다. 그래서 캔버스 위에 땅을 상징하는 네모와 하늘과 방위를 상징하는 아홉 개의 원을 배열하여 음과 양의 균형과 조화를 드러낸다. “50년 이상 작업을 하다 보니 주체성, 일관성이 있는 것이 아니다. 지금은 너무나 많이 싸여서 오히려 정보가 혼란스럽다” 이러한 변화는 오랫동안 그가 캔버스에 그려내었던 모더니즘 프로젝트가 여러 방면에서 실패하였음을 간접적으로 그 대안을 찾은 것이라 할 수 있다. 그래서 작가는 이번 작업의 키워드를 ‘레트로토피아’(과거의 모양, 정치, 사상, 제도, 풍습 따위로 돌아가거나 그것을 본보기로 삼아 그대로 좇아 하려는 것)라고 정의한다. 이는 미래에 대한 희망의 그림자가 사라져 가는 현실에서 ‘주역’이라는 사상을 통해 마지막으로 띄우는 자유와 저항이자 비록 희망이 작가가 꿈꾸던 유토피아를 향한 마지막 그의 희망의 작업이다. 작가는 이를 ‘예술가로서 자유로운 행위’라 말한다. 더불어 작가가 가지고 있는 재료에 따라 작품 표면을 이루는 물감의 두께가 얇아 흐릿하거나 때로는 붓터치가 그대로 드러나 다소 거친 질감으로 표현되기도 한다. 또한, 이번 작품 가운데 다양한 재료를 사용한 레이어 작품에 우연히 앉았다가 물감에 붙어 생명을 다한 모기 한 마리도 그의 작업의 일부가 되어 또 다른 레이어를 형성하는 존재가 되었다. 이 또한 이번 프로젝트에서 보여주려는 작가의 의도와 철학을 보여주는 것이 아닌가 싶다. 김용익 작가는 “나의 삶과 예술이 같이 종말을 맞이했으면 좋겠다. 작가는 자신의 논리에 자유로워야 한다. 이는 예술을 한다는 것에도 자유로워야 한다고 생각한다. 그래서 이번 작업은 죽음에 대한 자유로워야 하는 제의(祭儀)작업이다.” 전시는 4월 21일까지 진행된다. [허중학 기자]

[서울문화인] “누가 보았을 때 이 사진은 이 작가의 사진이라는 것을 보여주고 싶었다. 2000년 이전까지는 아날로그식 사진을 찍었다. 이후 깨닫게 된 것은 사진도 기술적인 매체라는 것을 깨닫게 되었다.” 사진작가 토마스 루프(b. 1958)의 예술세계를 들여다보면 변화무쌍하다. 그는 사진의 기술과 개념을 끊임없이 탐구하고 이에 도전하며, 국제무대에서 그만의 독보적인 시각언어를 구축해 온 작가라 할 수 있다. 아날로그에서 디지털로 기술이 이행하고, 사진이 현실을 포착할 뿐 아니라 비가시적인 세계를 보이게 하는 매체로 전환되는 시대를 가로지르면서, 새로운 테크놀로지가 잠재력과 한계를 가진 채 어떻게 우리의 시각을 변화시키는지 탐색해 왔다. ‘이미지를 포착하는 사진에서 배포하는 사진으로’ 루프가 1970년대 후반부터 발표한 사진 시리즈는 고전적인 초상사진이다. 당시 사진에 대해 작가는 “당시는 찍으려고 하는 것을 조명, 의상 등 내가 모든 것을 통제했다. 80년대 후반부터 90년대에는 다큐스타일을 진행했다. 그러다 더 많은 사진이 있을 것이라 생각했고 그렇게 생각한 것이 과학, 야간투시 등의 사진이었다.”고 한다. 이후 작가는 인터넷에 떠도는 데이터를 수집·편집한 이미지, 인공위성 또는 매스 미디어에서 전송받은 형상, 알고리즘으로 생성한 디지털 작업에 이르기까지 소재와 장르를 불문하고 25종류가 넘는 다양한 작업을 선보였다. 40여 년 그의 작품세계는 20-21세기 현대 사진의 역사와 궤를 같이한다고 해도 과언이 아닌 셈이다. PKM 갤러리가 한국에서 20년 만에 선보이는 토마스 루프의 사진전 <d.o.pe.>는 작가가 카펫을 사진의 지지체로 처음 사용한 작업으로, 다채로운 프랙털(fractal) 패턴을 거대한(최장 290cm) 융단 위에서 황홀경처럼 펼쳐내었다. ‘프랙털’은 수학자 브누아 망델브로(Benoît Mandelbrot, 1924-2010)가 1975년에 제시한 용어로 기본적인 형태요소가 커지거나 줄어들면서 반복적으로 증식되는 구조를 뜻하는 것으로 자연 및 인공의 세계 모두에서 발견되고 있다. 프랙털이미지는 컴퓨터가 대중화되면서 일반인에게 널리 알려졌다. 루프는 2000년대 초반 프랙털 구조의 다차원적인 아름다움을 작업에 반영하고자 했으나 당시의 기술력으로는 불가능했고, 20년이 지난 시점인 2022년에 소프트웨어의 발전과 더불어 비로소 실현할 수 있었다. 사진예술이 테크놀로지와 불가분리한 관계임을 인정하는 그는 <d.o.pe.>에서 신기술로 환상적인 이미지를 추출하고 이를 부드러운 직물 위에 심도 깊게 투사해냈다. 루프는 ‘d.o.pe.’라는 제목은 영국 작가 올더스 헉슬리(Aldous Huxley, 1894-1963)의 『지각의문』(The Doors of Perception, 1954)에서 따온 것이라 한다. 이 책은 인간이 화학적인 촉매제를 통해 의식의 지평을 넓히고 자기 자신을 초월할 수 있다고 본 헉슬리의 자전 에세이로, 루프는 이번 작업에서 컴퓨테이션(computation)으로 산출한 이미지를 통해 세계에 대한 우리의 인식을 확장함으로써 이에 화답하였다. “내 작업은 사진과 회화의 중간이라 할 수 있다” 그의 선보이는 화면에는 잎사귀, 깃털, 조개껍질 등 주변의 익숙한 자연 형상으로 읽히는 동시에 현미경으로 들여다본 미세한 세포, 광활한 우주의 예측 불가능한 현상을 연상하게 하며, ‘프랙털’의 사이키델릭한 가상공간으로 관람자를 빠져들게 한다. 이것이 사진인가 의구심이 드는 것도 사실이다. 마치 그가 밝힌 망델브로의 수학과 헉슬리의 문학 사이에서, 우리가 마주하는 현실과 만들어진 실제의 모호한 경계에서 사진의 경지를 다시금 개척한 루프의 이번 신작은 인식의 문 너머, 시각적인 초월의 세계를 마주하는 것 같다. [허중학 기자] 토마스 루프는 독일 쿤스트아카데미 뒤셀도르프에서 베른트 베허(Bernd Becher, 1931-2007)에게 사진을 사사한 후, 1980년대부터 안드레아스 거스키(Andreas Gursky, 1955-), 칸디다 회퍼(Candida Höfer, 1944-) 등과 함께 뒤셀도르프 사진학파의 주요멤버로서 세계 사진계에서 활약하기 시작했다. 뉴욕현대미술관, 런던 국립초상화박물관, 뒤셀도르프 K20, 도쿄국립근대미술관, 타이중 국립대만미술관 등의 저명 미술관에서 개인전을, 런던 테이트 모던, 뮌헨 하우스 데어 쿤스트, 바젤현대미술관 등에서 그룹전을 개최하였고 1995년 베니스 비엔날레 독일관의 대표작가로 참여한 바 있다. 그의 사진은 뉴욕 솔로몬 R. 구겐하임미술관, 메트로폴리탄미술관, 워싱턴 D.C. 허쉬혼미술관, 파리 조르주 퐁피두센터 등을 포함한 전 세계 유수 미술기관에서 루프의 작품을 소장하고 있다.

[서울문화인] 표정 없는 얼굴로 정면을 담담하게 응시하는 하고 있지만 컬러감이 주는 색체에 마치 자신의 감정을 그대로 노출하며 무언가를 얘기하려는 듯하다. 풍경, 역사, 신화, 자화상 등 폭 넓은 인문학적 주제를 회화로 풀어내는 서용선(1951~ ) 작가가 그의 다양한 작업 가운데에서 ‘자화상’만을 보여주는 전시를 인사동 포토하우스에서 선보이고 있다. 특히 작가는 사람-도시-역사라는 커다란 주제로 역사의 파편들을 다시 조립해 새로운 이야기를 전개하며 정치적인 세계관을 드러내기도 급성장하는 자본주의 도시 속에서 소외된 인간의 본질에 대한 끊임없는 탐구에 몰두하고 있다. 그래서 사람-도시-역사는 서용선 작품 세계의 여정을 이해하는데 가장 큰 키워드라 말할 수 있다. 삶의 반영으로써 작가 자신의 정체성을 드러내는 ‘자화상 드로잉’ “자화상은 실제로 그리는 순간 실패하는 그림이에요. 선을 긋는 순간부터 안 닮아요. 자기가 생각하는 자기의 모습은 절대 안 나와요. 그래서 화가로서 가장 비극적인 그림 중의 하나가 자화상인 거죠. 그런 점에서는 앞서 애기했던 시지프스 신화와 같은 점이 있어요. 실패를 반복하면서 어떻게든 계속 그려나가는 거죠. 그래도 먼저 그린 그림과 다음에 그린 그림은 차이가 있어요. 그것 때문에 하는 거예요. 그리고 부분적으로 조금씩 뭔가가 담겨 나가는 느낌이 있어요.” (이영희, ‘화가 서용선과의 대화’ 중에서) 서용선 작가의 여러 주제 가운데 ‘자화상’을 빼놓을 수 없다. 작가는 미술대학에 합격하고 처음 그린 그림이 자화상이라고 한다. 1995년 첫 해외 레지던시(Vermont Studio Center)에 참여한 이후 주된 작업 영역으로 발전했으며, 1980년대 청년기부터 서울대학교 교수를 그만두고 전업 작가로 매진해온 장년기까지 동시대의 시간을 거친 모습이 기록하고 있다. 캔버스 앞에 당당하게 그림을 그리는 모습의 자화상은 점차 세상을 응시하고, 대면하고, 좌절하며, 받아들이며, 또한 흥분하는 모습으로 변화되고, 그 모습은 격렬하게 그리는 행위를 하는 자신의 모습을 드러내고 있다. 그리고 자화상을 통해서 자신이 해체되고 다시 결합되며 새롭게 탄생하였다. “자화상은 인간에 관한 것이다. 인간이라는 보편적 개념이 갖고 있는 운명의 핵심이 자아이고, 이것을 체험해 볼 수 있는 것은 자기 자신밖에 없으니까… 인간 연구를 하는데 자화상은 기본 단위이다.”자신을 그림 그리는 노동자라 말하는 서용선은 이번 전시의 자화상은 변화하는 정체성이자 자기비판과 고백이 아닌가싶다. 이번 전시에는 1995년부터 2024년까지의 자화상을 그린 회화 작품 27점, C 프린트 8점, 입체 1점이 소개되고 있다. 전시는 오는 3월 17일까지 진행된다. [허중학 기자]

[서울문화인] 노란색으로 염색한 직물들이 둘러싸고 있는 직물 사이로 들어서면 익숙한 옹기와 옹기를 중심으로 둘러싸고 있는 새끼줄, 천장에는 국화가 달려있고 내부의 바닥에는 짚들과 그리고 그 사이사이 새싹들이 자라나고 있다. 익숙한 듯 하면서도 전시장에서는 흔히 보기 어려운 이색적인 풍경이 펼쳐진다. 아트선재센터 더그라운드에 새롭게 설치된 이 작품은 인도네시아계 브라질인이자 베를린을 기반으로 활동하는 예술가 댄 리(Dan Lie, b. 1988 / 과거 작가명: 다니엘 리 (Daniel Lie))의 <상실의 서른 여섯 달>이라는 작품이다. 댄 리는 박테리아, 곰팡이, 식물, 동물, 광물, 영혼 및 선조와 같은 “인간이 아닌 존재들”과 함께 작업하면서, 장소와 시간 특정적인 작업을 진행하는 작가로 그는 인류가 보편적으로 사용하는 재료들이 시간의 흐름에 따라 변화하는 것을 보여주고 있다. 이러한 물성의 변화해가는 과정을 보면서 충격을 받기도 하지만 이것이 인간과 어떠한 관계를 맺고 있는지 이런 경험을 통해서 관객과 소통을 한다. 그래서 그는 작품을 통해 자신의 이야기를 하기 전에 관람객에게 어떻게 느꼈는지를 여쭤본다고 한다. 한국 첫 개인전을 위해 방문한 그는 다양한 사람들을 만나 한국에 대한 리서치를 하였다고 밝혔다. 그 가운데 비무장지대(DMZ)를 방문하여 만난 짚풀공예 장인, 사찰음식으로 유명한 정관 스님, 전 국립민속박물관 이관호 과장을 만나 다양한 얘기를 들었다고 밝히면서 그는 그 가운데 특히 삼년상 이야기에 깊은 인상을 받았다고 한다. 그가 한국의 삼년상에 깊은 인상을 받은 것은 한국을 방문했을 때 마침 작가의 아버지가 코로나19로 세상을 떠난 지 3년째(1,000일) 되는 날이라는 개인적인 경험이 더해지면서 더 관심을 가지게 되었다고 한다. 댄 리의 작품에 등장하는 모든 생명은 부패와 발효, 즉 삶과 죽음의 사이클 안에 놓이는 것이다. 댄 리는 이러한 자신의 작업을 “살아있는 것과 죽어 있는 것의 조합”이라고 설명한다. 삼베, 면포, 국화와 같은 한국 전통 장례문화에서 온 모티브들을 비롯하여 댄 리가 조성한 생태시스템에는 벌써 파릇하게 자라난 새싹 이외에도 버섯종자가 뿌려져 있다. 그리고 쌀과 누룩이 발효되고 있는 옹기들로 구성된 설치 작품은 전시가 계속되는 동안 계속해서 형태가 바뀌며 삶과 죽음의 사이클 안에 놓이게 된다. 또한 부패와 발효의 과정에서 발생하는 미생물, 곰팡이, 박테리아와 같은 비인간 행위자들은 이 순환과정을 촉진시키는 협업자로 활약을 하게 된다. 중정에 위치한 한옥 안에서도 댄 리의 또 다른 생태시스템이 펼쳐지고 있다. 부정을 막기 위하여 걸어 놓는 금줄에서 영향을 받은 작가는 새끼줄, 국화 그리고 옹기를 사용하여 대들보에서 내려오는 설치작업이다. 이 작품 또한 점점 시간이 지나며 변화하는 모습을 관찰해볼 수 있다. 무엇보다 작가의 작품은 열린 해석을 가지고 있다. 그래서 “이 순간에만 존재하는, 다시 만들어질 수 없는 유일한 작업”이라 할 수 있다. 전시가 끝나는 5월 도시의 건축물 안이라는 환경에 어떤 생명이 태어나고 또 어떻게 소멸하는지 그 모습이 어떨지 궁금증을 일으킨다. 댄 리의 변화하는 작품들은 5월 12일까지 진행되며, 3월 7일까지는 무료로 만나볼 수 있고 이후는 유료 관람으로 진행된다. [허중학 기자]

[서울문화인] 국립현대미술관(MMCA, 관장 김성희)이 SBS문화재단과 공동 주최하는 《올해의 작가상 2023》 최종 수상자로 권병준이 선정되었다. 2012년부터 시작한 《올해의 작가상》은 동시대의 미학적, 사회적 이슈를 다루는 역량 있는 시각예술가 4인을 선발하여 신작 제작 및 전시 기회를 제공하고 그중 한 명을 최종 수상자로 선정하고 있다. 2023년은 일부 제도를 개선하여 새롭게 선보이는 첫 해로, 후보작가의 신작은 물론 대표적인 구작을 함께 전시해 작가의 작품세계를 더 확실히 드러내고 관람객이 참여하는 공개 좌담회를 거쳐 최종 수상자 권병준을 선정했다. 권병준(b.1971)은 1990년대 초반 싱어송라이터로 음악 경력을 시작하였고, 얼터너티브 록부터 미니멀 하우스를 포괄하는 6장의 앨범을 발표했다. 2000년부터는 영화 사운드트랙 작업을 비롯해 패션쇼, 무용, 연극, 국악 등 다양한 문화 영역에서 자신의 음악적 재능을 선보였다. 2005년 네덜란드로 이주해 2008년부터 실험적인 전자악기 연구개발기관인 스타임(STEIM)에서 하드웨어 엔지니어로 일하다가 2011년 귀국하여 현재까지 소리와 관련한 하드웨어 연구자로 활발하게 활동하고 있다. 새로운 악기, 무대장치를 개발, 활용하여 극적 장면을 연출함으로써 음악, 연극, 미술을 아우르는 뉴미디어 퍼포먼스를 기획∙연출하고 있다. 엠비소닉 기술을 활용한 입체음향이 적용된 소리 기록과 전시 공간에서의 재현 관련 기술 개발에 선두적으로 참여하고 있으며 현재 로봇을 이용한 기계적 연극을 연출하고 있다. 권병준은 이번 전시에서는 인간사회의 소수자이자 동반자로서 ‘로봇’을 선택하여 신작 <외나무다리를 건너는 로봇(Robot Crossing a Single Line Bridge)>(2023)과 <오체투지 사다리봇(Ochetuji Ladderbot)>(2022), <부채춤을 추는 나엘(Nael Performing the Fan Dance)>(2021), <장승(Jangseung)>(2023) 등 일련의 로봇 퍼포먼스를 포함한 종합극을 선보였다. 심사위원단은 권병준의 작업이 기술을 통해 인간성에 질문을 던지고, 이를 통해 감동을 전하며 사람들 간의 이해에 관한 날카로운 울림을 준다는 점을 높이 평가하여 최종 수상자로 선정하였다. 김성희 국립현대미술관장은 “권병준은 몰입적인 로봇 종합극을 이용하여 인간 공동체의 무한 확장의 가능성을 질문하고, 거침없이 직진하는 현대 문명의 흐름에 다양한 갈래를 제시하는 아름다운 작품을 보여주었다”며, “이번 전시를 통해 의미있는 작품을 보여준 네 명의 후원작가 모두에게 감사 인사를 전한다”고 밝혔다. 《올해의 작가상 2023》 수상자 선정은 지난 2월 6일 관람객 참여형 좌담회 <작가 & 심사위원 대화>를 공개 진행한 후 다음날인 2월 7일 오후 3시부터 6시까지 약 3시간 동안 최종심사를 통해 진행되었다. 《올해의 작가상 2023》 4인의 작품은 국립현대미술관 서울에서 3월 31일(일)까지 만나볼 수 있다. 한편, 《올해의 작가상》은 급변하는 예술환경 속에서 다양한 시각을 반영하고 한국미술에 대한 지속적인 관심을 증대시키기 위해 매해 추천단과 국내외 심사위원단을 새롭게 구성하고 있으며, 올해 2차 심사위원은 아론 시저(델피나 파운데이션 총괄 디렉터), 최빛나(2025년 하와이 트리엔날레 예술감독), 나브 하크(벨기에 앤트워프 현대미술관 어소시에이트 디렉터), 유카 우에마츠(오사카 국립현대미술관 수석 큐레이터), 김성희(국립현대미술관장/당연직) 총 5인으로 구성되었었다. 이번 후보에는 권병준을 비롯하여 갈라 포라스-김, 이강승, 전소정 4인이 후보에 올랐다. [권수진 기자]

[서울문화인] “서구의 미술은 정상적인 미술로 인식되어 있다. 그러나 이것은 서구적 시각에 의해 만들어진 것이다. (...) 사실주의, 인상주의.., 서구의 미술은 모두 형식이다. 서구의 것을 비서구인이 모방을 하려는 과정에서 비서구적으로 만들어졌다. 그러나 서구는 그것을 허용하지 않는다. 그래서 나는 늘 주변인이라 생각했다. 대부분 서양에서 말하는 물질 그 주변에서 얘기했다.” 지난 20여 년간 다양한 형식과 매체의 범주를 넘나들며 사회, 문화, 정치, 예술에서 나타나는 서구의 근대성, 그리고 이에 대항하는 비서구권의 독립적 저항 간에 발생하는 애매모호한 인식의 질서를 비판해온 김홍석(b.1964) 작가가 국제갤러리에서 개인전 <실패를 목적으로 한 정상적 질서>를 타이틀로 서울점(K2, K3)에서 진행하고 있다.(3월 3일까지) 특히 이번에 소개되는 33점 가운데 5점을 제외하고 모두 2024년 신작이다. 앞서 말한 작가의 말을 짧은 시간 무엇을 얘기하려는 것인지 이해하기는 쉽지 않았다. 작가가 이번 전시를 통해 말하고 하는 것은 ‘뒤엉킴(entanglement)’이라 한다. 그러나 ‘뒤엉킴’은 오히려 작가가 아니라 어쩌면 이를 이해하려는 관객일지도 모른다. 하지만 그것을 내려놓고 보아도 작가의 세계관을 보는데 큰 어려움은 없다. 예술은 각자의 생각으로 읽는 것이 아닌가... 작가의 생각대로 보려면 K2 1층, 2층 그리고 K3로 여정을 따라가 보자. “뒤엉킨 세계는 이원론적 사유에서 벗어나는 중요한 실천의 시작이다. 아마도 현대성은 곧 모든 것의 ‘뒤엉킴’일 것이다.” – 김홍석 ‘뒤엉킴’ 그 속에 보편적 개념에 얽매이지 않은 자유로움. 작가가 말하고 하는 ‘뒤엉킴’은 K2 1층에서 잘 드러나는 듯하다. 눈앞에 펼쳐진 작품에 시선이 빼앗겨 서너 걸음 걷다보면 발 끝에 무언가 딱딱한 것이 느껴져 언능 발을 빼면 그 존재가 흔히 건물 내부에 놓여있는 양탄자다. 무언가 실수한 것이 아닌가.. 느껴지지만 걱정할 필요는 없다. 〈내 발 밑의 무게〉라는 이 작품은 의도적인 것이니 놀라지 않아도 된다. 바닥에 놓인 카펫 조각, 돌멩이를 든 손, 하이힐 높이로 제작된 슬리퍼, 조커의 얼굴에 고양이 몸을 한 조각, 픽토그램처럼 단순화된 형태로 표현된 불꽃 조각, 다섯 손가락을 표현했다는 <다섯 손가락>, 찌그러진 별... 단순 시각적으로도 정형, 비정형이 뒤엉겨 친숙하면서도 낯선 광경을 선사한다. 더 깊이 들여다보면 조커의 얼굴에 고양이 몸을 한 조각은 조커가 고양이 털옷을 입은 것인지, 고양이가 조커의 탈을 쓴 것인지 분간할 수 없으며, 돌, 손, 카펫 등은 극사실적으로 묘사되었음에도 불구, 그 모습과는 모순되는 성질의 재료로 구성되었다. 실제 무거워야 하는 돌멩이는 레진을 사용해 매우 가볍게, 가벼워야 하는 카펫은 브론즈를 활용해 아주 무겁게 제작되었다. 작가는 실재-허구, 정상-비정상, 옳고-그름의 대립항들이 뒤엉킨 상태, 즉 어디에도 속하지 않는 진정한 현대성, 즉 보편적 개념에 얽매이지 않은 궁극적으로 도달하고자 하는 완전한 자유로움이라고 말하는 것이다. '고착화된 개념으로부터의 자유', 동서양의 ‘뒤엉킴’ K2 2층에는 1층에서와 달리 한국인에게는 낯설지 않지만 1층의 작품과 비교하면 왠지 낯설다. “나는 곧 60세가 되지만, 유치원부터 대학까지 동양 미술을 실습할 기회가 없었다. 미술 커리큘럼에 포함되어 있지 않기 때문이다. 서구의 산업, 사유의 혁명이 일어난 후 서구는 모든 종류의 산업과 사유체계를 정립했다. 독일 유학 시절, 내 눈을 뜨게 한 교수의 질문이 없었다면 나는 아직도 서구 미술에 더 깊숙이 빠져 있었을 것이다. 그가 내게 한 조언은 “너는 한국적 현대미술을 보여주어야 한다.”였다. (…) 그러나 나는 한국적 정체성보다는 사회적 문제와 미술의 효용과 역할에 관심을 쏟고 싶었다.” 이 공간의 작품은 작가의 최근작 가운데 올해 제작한 ‘사군자’라 명명한 작품이다. 작가는 “내 인생의 첫 번째 사군자 회화이다.”고 말하는 이 작품은 총 4개의 캔버스로 이루어져 있지만 전시 배열을 동양적으로 하지 않았다. 또한, 사군자 페인팅을 필두로 연꽃, 대나무, 잡목 등을 그린 회화 작품들이 자리하고 있다. 그는 사군자의 묵향 대신 돋보이는 두터운 마티에르(matièe)는 동양의 군자(君子) 정신과 태도를 서구 모더니즘의 개념으로 지워버리고, 현대 동양인의 정신분열적 물질성을 보여준다. 동양화에 대한 보편적 인식을 탈피하기 위해 그에 대항하는 개념인 서양화에서 흔히 사용되는 아크릴과 캔버스를 재료로 한지가 아닌 캔버스에 사군자를 그려내었다. 미술관 지붕을 뚫고 떨어진 거대한 운석 국제갤러리 K3에서는 가끔 관람객이 상상할 수 없는 연출로 놀라움과 동시에 즐거움을 준다. 이번 K3에는 그동안 보아온 작품들에 비해 유쾌한 광경을 마주한다. 전시장 중앙에는 천장을 뚫고 떨어진 거대한 운석을 마주하게 된다. 중력 가속도를 이기지 못하고 깨진 모습의 이 운석 사이로는 지구인들이 일상적으로 사용하고 불문율적으로 합의한 ‘별’이라는 기호를 띤 두 개의 물체가 관찰된다. 작가는 한때는 별이었으나 현재는 하나의 돌에 지나지 않는 본체와, 그 내부에 보이는 별의 표상의 조화를 통해 ‘실재적 존재’와 ‘해석적 존재’의 개념을 뒤엉키게 만든 것이라 한다. 그리고 운석 앞에는 책상과 의자가 놓여있다. 책상에 앉아 있다가 갑자기 날벼락을 맞은 것인지 아님 이 모습을 그리려고 한 것인지 책상 위에는 ‘A STAR IS BORN’ 글씨와 별이 떨어진 모습을 바라보는 남여의 그림이 놓여 있다. 한편, 전시장 내부에는 공공장소에서 흔히 들리는 음악에서 착안한 배경음악이 흘러나온다. 작가는 어릴 적 백화점에서 들었던 조용하면서도 세련된 음악의 존재를 인식한 후로 줄곧 기차역, 공항, 쇼핑몰과 같은 공적 공간의 음악에 관심을 가졌다고 한다. 대중적인 배경음악은 관람객의 무의식에 도달해 갤러리가 고급스럽고 특수한 곳이 아닌 공공적 공간임을 간접적으로 느낄 수 있도록 유도하는 것이라 한다. [허중학 기자]

[서울문화인] 미디어아트는 1970년대 입체 설치미술을 기반으로 1980년대 비데오아트와 1990년대 테크노아트를 거치면서 현재 미디어아트로 불리며 반세기 가까이 달려왔다. 제1세대 박현기 화백(1942-2000)과 거장 백남준 작가(1932-2006)의 위상만큼이나 미디어아트의 영역이 확장되고 전시장을 넘어 공공미술로의 역할과 캔버스와 모니터를 넘어 글로벌 창의도시영역에 까지 그 가능성이 인정되어 기대속에 성장하고 있다. 관객 참여형 인터랙티브 작품으로 관객과 호흡하는 미디어아트의 세계 선보여 오산문화재단(대표이사 이수영)이 지난 반세기동안 성장을 거듭한 미디어아트의 다양성에 나타난 표현 양상을 토대로 정적인 언어와 동적인 이미지의 교감이라는 화두로 ‘변화(change)와 변환(convert) 展을 선보이고 있다. 전시는 김홍년, 노진아, 송창애, 이이남, 이재형, 최종운, 한호(가나다 순) 등 표현양상을 달리하는 7명의 작가를 통해 변환(convert)에 방점을 두고 선보이고 있다. 특히 이번 전시는 국내외 정상급 미디어 작가들의 대형 작품을 동시에 한 공간에 모아 선보인다는 점과 아날로그에서 디지털로 급변하는 시대를 살고 있는 현대인의 삶을 주제로 전시된 점에서 특별하다. 가장 먼저 미술관 로비에 자리한 노진아 작가의 <히페리온의 속도(The Velocity of Hyperion)> 작품은 인공지능 기계를 상징하는 대형 머리로 구성된 작품으로 머리는 관람객과 눈을 맞추고, 입을 벌려 인간화되어가고 있는 기계들의 입장을 대변하여 관객과 대화를 할 수 있는 AI를 기반으로 한 작품이다. 1층 로비에 <히페리온의 속도>과 더불어 4층의 제3전시실에는 노진아 작가의 또 다른 작품 <나의 양철 남편 (2014)>을 만나볼 수 있다. 관객의 움직임에 따라 나무꾼의 눈동자가 움직이는 인터랙티브 조각 작품으로 원래 인간이었던 사연 많은 양철 나무꾼의 이야기를 다룬 <오즈의 양철 나무꾼>이라는 책에서 영감을 얻어 제작된 작품이다. 나무꾼은 그가 사랑하던 여인과 결혼하기 위해 열심히 나무를 하다 마녀의 마법에 걸려 버린다. 반짝이는 은색 양철의 편리함과 아름다움에 몸을 내주게 되고 결국 사랑하는 마음과 기억을 잃어버린 채 스스로 기계가 되어가는 인간에 대한 이야기로 자본주의 사회에서 자본의 도구로 존재하는 남편과 아내, 서로의 무게에 대하여 이야기한다. 이어 2층에 위치한 제1전시실에는 광화문광장 미디어아트 공모(서울시, KT)에서 우수상을 수상한 송창애 작가 작품과 독일 프랑크푸르트 문화부 스튜디오 교환작가(2011) 그리고 국립현대미술관 고양미술창작스튜디오 활동 등 활발한 활동을 하고 있는 이재형 작가의 작품을 만나볼 수 있다. 송창애 작가의 <WATER ODYSSEY>는 물의 파동을 시각화하는 예술 체험을 통해 관객들에게 자기 접속의 기회와 존재의 원형과 관계의 미학에 대한 시적 사유의 장을 나누는 관객 참여형 작품이다. 인터랙티브 미디어 아트 <물꽃 그리기>는 적외선 센서와 실시간 이미지 생성 프로그램, 그리고 프로젝션 맵핑기술을 기반으로 한 관객 참여형 협업 프로젝트로 관객이 현장에서 즉흥적으로 그린 선 드로잉으로부터 컴퓨터에 저장된 작가의 손 드로잉 작업인 잎사귀가 램덤하게 접목되며, 이 세상에 단 하나 밖에 존재하지 않는 고유한 '물꽃'이 생성된다. 이재형 작가는 제주도 제주공항내에 설치된 대형 고래작품과 서울 강남역에 설치된 고양이 작품 등의 설치로 미디어아트를 공공미술로 확장하고 있는 작가로 대기업의 공공성 아트프로젝트와 콜라보하는 등 차세대 젊은 미디어작가로 인식되고 있다. 이번 선보이는 <Face of osan city_Osan> 작품은 도시의 감정에 대한 이야기이다. 도시를 대표하는 감성의 근거를 해당 지역들의 수많은 SNS를 분석하는 과정에서 찾아낸다. 그리고 이를 실시간으로 변화되는 얼굴의 모호한 표정으로 드러내는 정보 시각화(datavisualization) 프로젝트이다. 이번 작품에서는 같은 키워드로 추출된 SNS 단어들에 의해 오산의 얼굴표정을 보여준다. < 시간여행, 시간에 전화를 걸다> 작품은 오산시립미술관 맞춤형 전시 작품으로 1953년부터 2023년까지 매해 대한민국과 오산에 있었던 큰 뉴스들을 공중전화기를 통해서 관객들이 볼 수 있게 하는 아카이브 프로젝트로 70개의 뉴스 영상 편집본은 개조한 공중전화기 아카이브에 저장되어 관객이 해당 연도를 누르면 소리는 수화기로 들을 수 있으며 화면은 공중전화기 부스 너머의 프로젝션 영상에서 볼 수 있다. 옛날 뉴스일수록 수화기에서 연결되는 수신음이 길게 들리며 연결된다. 3층의 제2전시실에 들어서면 2011 세계인권 예술가 캘리포니아 주지사상과 프랑스 국립몽후즈 특별상, 2023년 ‘아트대상’ 수상자인 한호 작가의 <최후의 만찬(Last supper)>을 만날 수 있다. 한지를 붙혀 제작한 높이 3m와 폭1.5m의 판넬 9개가 병풍처럼 세워진 길이 13.5m에 높이 3m의 대형구조물에 LED조명이 들어간 형태로 설치된 이 작품은 현대적으로 해석된 ‘최후의 만찬’을 한지에 그리고 한지에 무수히 많은 구멍들이 뚫려 있는데, 작가에게 타공이란 고통, 그리고 희망을 의미하는 것이라 한다. 한호 작가의 이 작품은 위기일발의 우리 민족을 그려내고 작업에서 묘사된 각각의 인물들은 한국 사회의 각계각층을 보여준다. 특히 현대적인 한국의 관점에서 해석한 이번 LED 작품이 무지개 빛으로 반복하며 변하면서 관람객의 감흥을 더한다. 맞은편에는 이이남 작가의 <만화-병풍 l>과 <설계어부-해피니스(2012)>를 만나볼 수 있다.<만화-병풍 l>은 한국만화박물관 주최로 열린 전시에서 한국의 대표 만화가의 작품 <이두호의 머털이>, <신문수의 로봇찌빠>, <박수동의 고인돌>, <윤승운의 맹꽁이 서당>과 아시아의 고전회화를 콜라보레이션하여 제작한 5폭 디지털 병풍 작품이다. <설계어부-해피니스(2012)>는 중국 북송시대 산수화가 허도녕의 ‘설계어부도’를 모티브로 제작한 작품이다. 허도녕이 받았을 감흥을 상상하며 작가가 받은 감흥으로 재해석한 것이다. 시간과 공간에 갇혀있던 고전회화를 디지털 기술을 통해 생명력을 불어넣어 다시 빛을 보게 하였다. 허도녕이 보았을 산수에 계절의 변화로 회화적인 분위기를 극대화시켰으며 기상이변 등의 상황을 만들어 더욱 드라마틱하고 몽환적인 분위기를 연출한다. 이어 일명 ‘나비’ 작가로 알려진 김홍년 작가의 <Lovefly in Osan- ‘화접(花蝶)-공감과 소통’>을 만나볼 수 있다. 김홍년 작가는 1980년초 입체 설치작품 활동을 한 ‘난지도’ 창립 등을 주요 한국미술그룹으로 기록하며 90년대 설치와 테크노아트 활동 등을 ‘전환기 한국미술사’로 기록(2021)하고 있는 작가로 2021년 삼성전자 갤럭시 Flip Z 출시에 맞춰 ‘Beauty in Art’기획에 나비작품을 콜라보했으며, 2023년 5월 뉴욕 타임스퀘어 대형전광판에 김 작가의 나비작품이 소개돼 K-아트의 위상을 널리 알렸다. <Lovefly in Osan- ‘화접(花蝶)-공감과 소통’>은 기후재난과 전쟁 등 사회가 안고 있는 이슈를 지역의 오산천(川) 특성과 결합하여 생명에 대한 이야기를 그려낸 신작이다. 인간이 자연에 가하는 파괴적 행위와 자연의 자생(파괴와 생성)을 어린이가 그린 그림처럼 영상으로 자유롭게 그려 기술적 기교와 작가의 노력을 느끼게 한다. 또한, 300호 크기의 대형 나비 원화와 30개의 나비 판화작품을 날개의 형상으로 설치, 꽃과 나비를 통해 공존의 사회적 가치(공감과 소통)를 한 번 더 생각하게 한다. 마지막으로 4층의 제3전시실에는 노진아 작가의 <나의 양철 남편 (2014)>과 함께 지난해 ‘문화 여행기’ 전주 재즈페스티벌 아트 특별전에서 주목받은 최종운 작가의 ’Beyond the Space in Hoehyeon’ 작품을 만나볼 수 있다. 존재의 가치와 의미를 재해석한 이 작품은 범 우주적인 시각으로 봤을 때 ‘나‘라는 존재는 너무나도 연약하고 하찮은 미물이지만, 동시에 그 나름의 존재의 이유”가 있다는 의도로 제작된 작품이다. “지구와 그 안에서 기생하는 우리의 존재”에 대해 생각해볼 수 있기를 제안하고 있다. 세계 여러 나라에서 수집한 일상의 유리 오브제들이 지닌 다양한 형태와 빛깔에 관심을 두고, 이들이 담고 있는 존재의 가치를 발견하고 설치한 작품으로 가로 13m 세로 13m 높이 3.5m 공간에 일상의 유리오브제들이 가득 채워져 전시되었다. 오산문화재단 이수영 대표이사는 “이번 전시는 관람객이 일방적으로 보고 듣는 것이 아니라 관객 참여형 인터렉티브 작품이 주를 이룬다. 아티스트와 함께 쌍방향으로 소통한다는 느낌을 주기 위해 기계에 감정을 넣어 지나온 추억을 예술로 승화하는 것에 전시의 포인트가 있다”며 “2024년을 여는 첫 특별 기획전시이기에 관람객들의 기대도 큰 것으로 안다”고 밝혔다. 전시는 오는 3월 24일까지 오산시립미술관 제1전시실부터 제3전시실에 걸쳐 무료로 운영된다. [허중학 기자]

[서울문화인] 수묵(水墨)은 아주 오랜 역사를 지닌 회화의 양식이다. 하지만 100년 전 서양화가 들어오면서 전통적인 수묵은 고미술과 현대미술의 갈림길에서 미술관보다는 박물관에서 많은 경험을 하게 되면서 그곳에서 본 것 대부분 뇌리에 박제되어 있다. 이는 대중들의 잘못은 아니다. 현재 미술관에서는 거의 현대 수묵을 다루는 전시는 거의 이뤄지고 있지 않기 때문이기도 하다. 대중의 인식이 과거에 머물고 있을 때 그럼 한국의 현대 수묵은 어떻게 변화되었을까.. 그렇다면 세종미술관의 <필묵변혁>는 그동안 수묵전시를 많이 접하지 않았던 분들에게는 현대 수묵에 대한 편견을 버리게 하는 전시가 아닐까 싶다. <필묵변혁>은 한국화 역사에서 중요한 역할을 한 남천(南天) 송수남(1938-2013)과 소정(素丁) 황창배(1947-2001)의 작품을 통해 “필(筆)과 묵(墨), 그리고 변혁(變革)”이라는 키워드로 답을 제시하는 전시이자 한국화의 확장과 새로운 입지를 구축한 남천 송수남과 소정 황창배의 작품을 최초로 한자리에서 만날 수 있다는 점에서 의의가 있다. 송수남은 서양화 재료인 아크릴을 수묵 작업에 도입해 장르를 넘나들고 산수화에서 추상화에 이르기까지 다양한 실험을 지속하며, 그의 수묵화는 “먹을 넘어 산수화에 현대적 조형성을 입혔다”는 평가를 받고 있다. 이번 전시를 통해 남천 송수남의 대표작과 그간 대중에게 공개되지 않은 작품 등 총 42점을 만날 수 있다. 황창배는 “새로운 미술담론을 주도, 시대변화에 따른 다양한 실험과 시도로 한국적 신표현주의를 모색했다”는 평가를 받았던 작가다. 그는 한국화 전통에서 벗어나 아크릴과 유화물감, 연탄재, 흑연 가루까지 다양한 재료를 사용했고, 물감을 뿌리거나 나이프로 긁고 종이를 오려 붙이는 등 기법도 수묵화에 도입했다. 황창배의 작품은 정체되고 변방으로 밀리고 있었던 한국화의 지형을 바꿔놓았다. ‘한국적 이미지를 찾고 드러내는 작업, 그것이 저의 관심’이라고 한 황창배는 전통 필묵법을 지키면서도 자신만의 화법을 찾기 위해 평생을 바쳤다. 황창배가 구축한 필묵변혁의 여정을 담은 42점을 소개하고 있다. 오는 1월 14일(일)까지 세종문화회관 세종미술관에서 진행하는 이 전시는 가장 큰 여운은 역시 ‘수묵화’에 대한 편견을 지웠다는 점이다. 또한 ‘직접 감상해야 제 맛이다’를 증명해 보인다. 종이 위에 펼쳐진 먹선을 훑으면서 힘과 리듬을 느끼기도 하고, 묵(墨)을 넘어 다양한 재료로 풍경과 추상으로 펼쳐낸 작품을 통해 진짜 ‘필묵변혁’을 느끼게 하는 전시가 아닐까 싶다. 한편, 현재와 미래의 수묵화는 어떤 모습일지 알아보기 위해 오늘날 활발하게 활동하는 작가들의 수묵화를 살펴보는 ‘아티스트 토크’ 시간도 이어진다. 1월 11일(목)까지 매주 수요일과 목요일 오후 2시에는 박현욱, 문이원, 성인제, 김형진 작가가 차례차례 관람객들과 만나 작품 소개와 함께 ‘나에게 한국화란?’이라는 화두로 이야기를 나눈다. <필묵변혁>은 세종문화회관 미술관 1관, 2관에서 오는 1월 14일(일)까지 오전 10시부터 오후 7시(입장마감 오후 6시 30분)까지 관람할 수 있다. 관람료는 성인 5,000원, 청소년 3,000원, 어린이 2,000원이며, 전시기간 중 별도의 휴관일은 없다. [허중학 기자]

- 2024년 1월 중 ‘제23회 송은미술대상’ 대상 수상자 1인 발표 및 시상 - 송은문화재단과 까르띠에의 후원으로 대상 수상자의 작품 총 2점 매입 - 송은(서울 강남구 도산대로 441)에서 2024년 2월 24일(토)까지 진행 [서울문화인] 송은문화재단이 역량 있는 동시대 한국 작가를 발굴하고 지원하기 위해 2001년부터 매년 운영하는 미술상인 《제23회 송은미술대상전》을 지난 12월 13일(수)부터 개최하고 있다. 제정 20주년을 맞아 지난 2021년 새롭게 개편한 송은미술대상의 올해 공모에는 총 512명의 작가가 지원하였고 지난 2월 진행된 예선을 거쳐 본선에 오른 작가 20인이 선정되었다. 송은미술대상은 재단법인 송은문화재단의 설립자 故 송은 유성연 명예회장(1917-1999)이 생전에 깊은 관심을 가지고 추진했던 한국 미술 문화 발전을 위한 공익사업의 뜻을 기리고자 현 송은문화재단 이사장인 ㈜에스티인터내셔널(구 삼탄) 유상덕 회장이 2001년에 제정한 미술상이다. 2021년부터는 기존의 전시 형식의 심사 단계를 유지하는 가운데 전시 참여 작가를 20인으로 확대했으며, 작가들의 창작 활동에 도움이 되는 미술상으로 거듭나고자 다양한 미술 전시 및 프로그램을 통해 역량 있는 작가를 양성 및 지원해 온 서울시립미술관, 그리고 예술과 문화에 대한 지속 가능한 지원과 헌신을 보여 온 까르띠에와 협력해 수상 혜택을 대폭 확대했다. ‘제23회 송은미술대상전’에 참여하는 작가 20인 남진우, 문이삭, 박웅규, 박형진, 백경호, 백종관, 신미정, 신제현, 유화수, 이세준, 이우성, 이은영, 임노식, 장파, 전장연, 정서희, 정진, 허연화, 황문정, 황선정은 회화, 조각, 설치, 영상, 사운드 등 여러 매체를 아우르며 동시대 한국 미술의 다양한 모습을 살펴볼 수 있는 신작을 선보이고 있다. 대상 수상자는 전시 기간 중 최종 심사를 통해 선정하며 2024년 1월에 발표할 예정이다. 대상 수상자에게는 기존 혜택인 상금 2,000만 원 수여 및 2년 이내 송은에서의 개인전 개최 지원과 더불어 송은문화재단과 까르띠에의 후원으로 대상 수상자의 작품 총 2점(약 3,000만 원 상당)을 추가 매입한다. 이 작품은 송은문화재단(1점)과 서울시립미술관(1점)에 각각 소장될 예정이다. 또한 서울시립미술관의 레지던시 프로그램인 난지미술창작스튜디오 1년 입주 기회를 제공하는 등 작가의 꾸준한 작업 활동을 지원한다. 또한, 송은미술대상전에 참여하는 작가 20인에게는 런던 델피나 재단(Delfina Foundation)과 국내 단독 협약을 맺고 운영하는 ‘송은문화재단–델피나 재단 레지던시’ 프로그램 지원 자격을 부여하고, 선정된 1인에게 12주간 델피나 재단 레지던시 활동도 지원된다. 델피나 재단은 런던에서 가장 큰 국제 레지던시를 운영하는 비영리 기관으로, 매년 40여 명의 작가를 초청해 예술인들을 위한 국제적인 예술 플랫폼을 구축하고 있다. 전시는 2024년 2월 24일(토)까지 휴관일인 일요일과 공휴일을 제외한 매일 오전 11시부터 오후 6시 30분까지 별도의 예약 없이 무료로 관람 가능하다. 도슨트 투어는 네이버 예약 시스템을 통해 사전 예약한 관람객을 대상으로 무료로 진행하며 11시, 14시, 15시, 16시 총 4타임으로 운영된다. [허중학 기자]

[서울문화인] 아르코미술관(관장 임근혜, 이하 미술관)이 2024년 미술관 50주년을 맞이하여 기념전 《어디로 주름이 지나가는가》를 진행하고 있다. 아르코미술관은 1974년 종로구 관훈동에서 개관하여 1979년 현 위치인 동숭동으로 이전하였고 초기 십여 년 대관전시 중심의 운영 시기를 지나 1990년 후반부터 간헐적인 자체 기획전(‘한국현대미술 신세대흐름전’ 등)을 추진하였다. 이후 2002년 마로니에미술관, 2005년 아르코미술관으로 개칭하면서 본격적으로 기획초대전, 주제기획전 등 자체 기획전 중심의 미술관으로서 성격을 확립하는 시기를 거친다. 그리고 실험적이고 시의적인 시각예술 창작의 대표적 공공미술관으로서 약 50년 동안 2천여 건의 전시를 개최하였다. 이번 전시는 미술관 50주년을 기념하는 전시인 만큼 그동안 미술관 전시에 참여했던 작가, 미술관과 인연을 맺었던 관계자들이 함께 작가를 선정하고 그리고 이들에게 함께 교류하고 싶은 서로 다른 세대의 작가를 추천받아 함께 선보이는 이색적인 전시로 총 9개의 작가 팀(19명, 박기원×이진형, 서용선×김민우×여송주, 신학철×김기라, 이용백×진기종, 정정엽×장파, 조숙진×이희준, 채우승×최수련, 최진욱×박유미, 홍명섭×김희라)과 함께 작가 중 3명(공성훈, 김차섭, 조성묵)의 유작 및 미발표작은 물론 미술관 전시사를 살펴볼 수 있는 아카이브 자료 약 200점을 선보인다. 추천을 통해 초청된 작가 중 약 80% 이상은 아르코미술관에서 처음 전시하는 작가로 구성되어 다른 세대를 경유한 작가들의 만남을 통해 동시대 미술계에 던지는 화두를 살펴보고 있다. 이 외에 미술관 전시사에서 중요한 업적을 남겼던 작고 작가로 시대의 불안과 모순을 풍경을 통해 표현하는 회화적 태도로 잘 알려진 고 공성훈 작가(1965-2021)는 미발표작 및 초기 대표작 중심으로 1990년대 초 조명 조각 설치 작업 및 2000년대 초 Dog 시리즈 등을 선보이며, 자연과 자신과의 관계를 살피며 인간 문명의 근원을 탐구하는 작업을 한 고 김차섭 작가(1942-2022)의 미발표작 및 주요 대표작, 작업 노트 등 약 10점을 작가의 세계관이 잘 드러날 수 있는 작업들의 연결성을 고려하여 설치되었다. 1960년 국전에서 특선을 받으며 미술계에 알려진 조각가 고 조성묵 작가(1940-2016)는 한국 최초의 전위 조각 단체인 ‘원형회’ 및 미술단체 AG에 참여하며 조각의 전위적이고 실험적인 흐름을 이끌어왔다. 이번 전시에 〈메신저&커뮤니케이션〉, 〈메신저〉를 비롯하여 그의 대표적인 작품 중 하나인 <청동 의자>를 마나볼 수 있다. 별관에서 아카이브 자료를 선보인다. 이곳에는 미술관의 굵직한 역사를 일괄하고 200여 점의 도록, 출판물, 사진, 영상 및 관계자 인터뷰로 구성되어 미술관이 지나온 발자취 안에서 향후 미술관의 모습을 그려보고 미래의 가능한 방향을 유추해 보고 있다. 한편, 전시와 연계된 학술행사로 12월 말 팀별 작가와의 릴레이 대화를 시작으로, 아르코미술관 50주년 특별 심포지엄 및 학술행사를 통한 미술관의 향후 지향점 및 역할에 대한 심층 토론, 아카이브를 활용한 퍼포먼스 등이 50주년을 맞이하는 2024년 3월까지 지속될 예정이다. 상세 내용 및 참여자 모집 안내는 추후 홈페이지에 게재될 예정이다. 이번 전시는 2024년 3월 10일까지 진행되며, 화-일 오전 11시부터 오후 7시까지 관람할 수 있고 입장료는 무료이다. [허중학 기자]

[서울문화인] 미술은 기본적으로 점, 선, 면에 시작하여 색이 입혀지고 거기에 명암이 더해지면서 우리가 흔히 일컫는 평면 미술이 되고 이것이 입체적으로 발전하면 입체 미술이 된다. 이러한 창조 예술은 인간의 역사와 함께 하고 있다. 국립현대미술관(MMCA, 관장 김성희) 과천관에서 인간의 가장 오래된 예술적(미술) 행위라 할 수 있는 기하학적 추상미술의 역사 가운데 1920년대부터 1970년대에 국내에서 제작된 기하학적 추상미술을 조망하는 《한국의 기하학적 추상미술》전을 선보이고 있다. 기하학적 추상미술은 앞서 밝혔듯 점과 선, 원과 사각형 등 단순하고 기하학적인 형태, 원색의 색채, 화면의 평면성을 강조하는 회화의 한 경향으로 과거 우리나라에서는 예술적 한 장르보다는 보자기, 돗자리(화문석) 등 일상적 소재에 많이 활용 장식적인 측면이 강했으나 서구에서는 몬드리안, 칸딘스키, 말레비치와 같은 작가들의 작업을 통해 각광을 받았으며, 20세기에는 현대미술의 주요한 경향으로 여겨졌다. 국내에서 이러한 기하학적 추상미술은 1920-30년대 근대기에 등장하여 1960-70년대에는 전방위적으로 확산되는 등 한국 미술사의 주요 변곡점마다 각기 다른 양상으로 존재해왔다. 그러나 기하학적 추상미술은 장식적인 미술 혹은 한국적이지는 않은 추상으로 인식되며 앵포르멜이나 단색화와 같은 다른 추상미술의 경향에 비해 주변적으로 여겨져 왔다. 국립현대미술관은 이번 전시는 한국의 기하학적 추상미술을 한자리에 소개함으로써 그 독자성을 밝히고 한국 추상미술의 역사를 새로운 관점에서 바라보고자 기혹된 전시라고 밝혔다. 전시에는 1920년대부터 1970년대까지의 한국 대표 추상미술가 47인의 작품 150여 점을 통해 한국 기하학적 추상미술의 역사를 조망하고 있다. 특히 기하학적 추상미술이 현대미술은 물론 과거 서양 미술이 전래되던 당시 건축과 디자인 등 연관 분야에 어떻게 활용되었는지 함께 주목하고 있다. 한국의 기하학적 추상미술 1920~30년대의 경성은 서구의 기하학적 추상이 직간접적으로 유입되면서 미술과 디자인, 문학의 영역으로까지 확장된 시대이다. 당대의 창작자들에게 기하학적 추상은 새로움과 혁신의 감각으로 여겨졌다. 동시에 기하학적 추상미술이 순수미술과 디자인 사이의 위계를 구분하는 경계로 처음 인식되기 시작한 것도 바로 이 시기이다. 1930년대 말에는 김환기와 유영국이 동경과 경성에서 전위미술로서 기하학적 추상미술을 실험하기 시작했다. 한국전쟁 이후 제1차 세계대전 이후 새로운 시대를 여는 과정에서 미술가, 건축가, 디자이너의 역할이 중요하다는 점을 인식했던 바우하우스처럼 국가 재건기에 미술, 건축, 디자인의 새 역할을 모색하기 시작했다. 1957년 화가, 건축가, 디자이너의 연합 그룹인 신조형파가 결성되었다. 이 그룹은 건축을 기반으로 순수미술과 응용미술, 예술과 기술을 통합하고자 했던 독일의 건축, 예술 학교인 바우하우스를 모델로 삼았다. 신조형파 작가들에게 있어 과학과 기술이 발전한 현대사회에 적합한 미술은 합리적인 기준과 질서를 바탕으로 제작된 기하학적 추상미술이었다. 이것을 미술품으로 전시하는 것에 그치지 않고 산업 생산품에도 적용해 경제적 이익을 창출하는 곳에 표현 되었다면 미술에서는 자연의 형태를 단순화하는 과정을 거쳐 추상을 제작하거나, 자연이 불러일으키는 서정적인 감성을 부여한 작품들이 발견된다. 김환기와 유영국 같은 1세대 추상미술가로 부터는 한국적 정체성과 관련한 주요 소재인 자연과, 현대미술의 양식인 기하학적 추상미술을 연계하려는 다양한 시도가 나타난다. 1960년대 후반부터 1970년대 중엽까지 한국에서 기하학적 추상은 청년 작가들로부터 기성 미술가들에 이르기까지 세대와 관계없이 전방위적으로 퍼져나갔다. 미술계 내부적으로는 앵포르멜 이후의 미술을 모색해야 할 필요성이 대두하면서 그 대척점에 있는 기하학적 추상이 부상하였다. 한편 이와 같은 미술이 산업, 건설, 과학의 발전으로 국가를 부강하게 만들고자 했던 1960~70년대라는 시대적 상황에 적합하다고 인식된 것도 당대에 기하학적 추상미술이 확산한 주요한 요인이 되었다. 전시는 한국 기하학적 추상미술의 시대별 주요 양상을 따라 5개 섹션으로 구성했다. 첫 번째 “새로움과 혁신, 근대의 감각”에서는 근대기91920-30년대)에 미술과 디자인, 문학의 영역까지 확장된 기하학적 추상의 사례를 살펴보며, 두 번째 “한국의 바우하우스를 꿈꾸며, 신조형파”에서는 바우하우스를 모델로 하여 1957년 한국 최초로 결성된 화가, 건축가, 디자이너의 연합 그룹 ‘신조형파’의 활동상과 전시 출품작을 소개하고 있다. 전시에는 김충선, 변영원, 이상욱, 조병현 등의 작품이 소개되고 있다. 세 번째 “산과 달, 마음의 기하학”에서는 김환기, 유영국, 류경채, 이준 등 1세대 추상미술가들의 작품과 이기원, 전성우, 하인두 등 2세대 추상미술가들의 작품을 통해 한국적인 기하학적 추상의 특수성을 살펴보고 있다. 네 번째 “기하학적 추상의 시대”에서는 1960년대 후반부터 1970년대 중엽까지 기하학적 추상이 전방위적으로 확산된 양상을 세 가지로 나누어 살펴본다. 앵포르멜 이후의 미술을 모색했던 최명영, 문복철을 비롯하여 최초로 공개되는 윤형근의 1960년대 기하학적 추상작 〈69-E8〉(1969)을 포함해 박서보, 하종현 등 한국 추상을 대표하는 작가들의 기하학적 추상 시기의 작품과 함께 변영원, 이성자, 한묵 등의 작품이 소개되고 있다. 중앙홀에서 선보이는 다섯 번째 “마름모-만화경”에서는 창작집단 다운라이트&오시선의 커미션 작품을 소개한다. 아티스트, 디자이너, 엔지니어로 구성되어 순수예술과 디자인의 경계를 탐색하는 이 그룹은 1, 2전시실에서 소개한 1920-70년대 기하학적 추상미술 작품들이 지닌 삼각형, 마름모 같은 패턴에 주목하고 이를 ‘디지털 만화경’이라는 키워드를 통해 풀어내었다. [허중학 기자]

[서울문화인] 흔히 렘브란트를 ‘빛의 화가’라 부른다. 대중들은 자화상과 초상화로 대표되는 유화를 기억하지만 미술사학자들로부터 ‘렘브란트 이후 판화역사가 다시 쓰였다’라는 평가를 받을 정도로 에칭과 드라이포인트 기법을 활용한 판화를 평생 300여 점을 남겼다. 특히 동판화 역사에 큰 획을 그은 독보적인 판화가이기도 하다. 렘브란트는 국내에서도 많은 인지도를 가지고 있는 화가이지만 막상 국내에서 진행된 전시에서 렘브란트의 작품은 고작 몇 작품이 소개되는 것 이 외에는 그의 작품이 대규모로 소개되는 전시는 없었던 것으로 기억이 된다. 하지만 최근 렘브란트의 판화를 만나볼 수 있는 전시가 대구미술관에서 진행 중이다. 전시는 유화 작품이 한 점도 없는 판화전임에도 대구미술관에 따르면 10월 31일(화) 전시 개막일에만 총 821명의 관람객이 다녀갈 정도로 현재도 많은 인기를 얻고 있다고 한다. 렘브란트 하르먼손 반 레인(네덜란드어 : Rembrandt Harmenszoon van Rijn, 1606년 7월 15일-1669년 10월 4일)은 바로크 시대의 네덜란드 화가로 빛의 화가라고도 불리는 그는 일반적으로 유럽 미술사에서 가장 위대한 화가이자 판화가 중 한 사람으로 여겨지고 있다. 특히 네덜란드의 역사에서 가장 중요한 화가이기도 하다. 이탈리아 거장들과 네덜란드 예술가들의 작품에 상당한 영향을 받았다. 렘브란트는 유화, 동판화, 드로잉 작품들을 많이 남겼는데 특히 자화상을 많이 그렸다. 렘브란트의 성서·신화·역사·풍경·풍속·위인 등 각 방면에서 광범위하게 소재를 구하였지만 초상화, 자화상, 성경 장면의 삽화는 그의 가장 위대한 창조적 업적으로 여겨지고 있다. 렘브란트는 빛의 효과에 있어서는 색채 및 명암의 대조를 강조함으로써 의도하는 회화적 효과를 거두었다. 이러한 결과로 그는 ‘근대적 명암의 시조’란 이름을 듣게 되었다. 또한, 그는 북부 유럽 동판화의 대가로서 약 300점의 걸작을 남겼다. 이 동판화만으로도 그는 세계 미술 사상 최대의 화가로 인정받고 있다. 이 가운데 종교화에 많은 걸작을 남겼는데 그가 남긴 작품 수는 유화·수채화·동판화·데생 등을 포함하여 2천여 점이나 된다. 이는 그의 두터운 신앙심에서 나왔다고 할 수 있다. 두 눈을 비벼가며 들여다봐야 할 정도로 세밀한 터치로 그려내다. 대구미술관이 선보이는 ‘렘브란트, 17세기의 사진가’는 네덜란드 렘브란트순회재단(Stichting Rembrandt op Reis)과 벨기에 판화 전문 미술관 뮤지엄드리드(Museum de Reede), 대구미술관 지난 1년간 준비한 전시로 렘브란트의 판화가로서의 면모를 마주할 수 있는 동판화 120여 점을 소개하는 대규모 전시다. 이번 전시의 타이틀이 ‘렘브란트, 17세기의 사진가’라고 붙여진 것은 전시장을 방문하면 이 이유를 충분히 공감할 수 있다. 그는 다양한 소재의 판화 작품은 그려내었지만 무엇보다 200년 전, 마치 카메라 렌즈와도 같은 시선으로 17세기 세상과 당시의 사람들을 있는 모습 그대로 바라보고 마치 사진과 같은 디테일하게 피사체를 작품에 담아내었다는 점이다. 이번 전시에 소개되는 렘브란트 동판화는 그가 즐겨 그린 ▲자화상을 비롯하여, ▲거리의 사람들, ▲성경 속 이야기, ▲장면들, ▲풍경, ▲습작, ▲인물·초상 등 7개의 카테고리로 나누어 소개하고 있으며, 또한, 이를 영상을 통해서도 만나볼 수 있다. 이 외에도 19세기에 제작된 판화집, 렘브란트 판화와 관련된 동시대 다른 작가들의 작품 일부를 함께 소개하고 있다. 이 가운데 잘 알려진 자화상 ‘돌난간에 기대어 있는 자화상’(1639), ‘사스키아와 함께 있는 자화상’(1636)을 비롯해 그의 동판화에서 가장 큰 비중을 차지하며 중요하게 다룬 성경을 주제로 한 ‘착한 사마리아인’(1633), ‘병자를 고치는 예수’(1648년경), 그리고 ‘얀 위텐보해르트, 저항파의 설교자’(1635)의 동판 등 렘브란트 동판화의 정수를 보여 주는 걸작들을 만나볼 수 있다. 또한, 코로나 이후 전시 관람료가 높아졌지만 이번 전시는 1,000원에 관람할 수 있다는 점이다. 더불어 전시 기간 특별강의, 도슨트, 참여 이벤트 등 다양한 연계 프로그램이 진행되며, 전시는 2024년 3월 17일까지 진행된다. [허중학 기자]

[서울문화인] “문체부외 국립현대미술관이 이런 곳인 줄 몰랐다.” 노 화가는 자신의 대규모 개인전에 앞서 마련된 기자간담회에 문화체육관광부(이하 문체부)와 전시를 기획한 국립현대미술관에 대한 불편한 마음부터 들어내었다. 그러면서 “여러분들께 미안하지만 이번 전시에는 아방가르드적인 작품은 하나도 없다. 고리타분한 것만 늘어놨다. 새롭고 파격적인 작품을 보여주지 못해 너무 죄송하다.” 그러면서 “작가라고 어디서 얼굴을 내밀 수 없는 부끄러움이 있다.”고 두 기관에 불편한 속내를 밝혔다. 국립현대미술관이 지난 8월 25일(금)부터 서울관에서 한국 실험미술의 선구자라 할 수 있는 김구림(b. 1936)의 대규모 개인전을 열어주면서 작가로부터 왜 이런 반응을 받게 되었을까. 김구림은 1950년대부터 다양한 매체, 장르, 주제를 넘나들며 예술의 최전선에서 독자적인 영역을 구축하며 한국 실험미술의 선구자이라 인식되고 있다. 그는 비디오아트, 설치, 판화, 퍼포먼스, 회화 등 미술의 범주에서뿐만 아니라 무용, 연극, 영화, 음악에 이르기까지 다양한 분야에서 활발한 활동을 펼쳐왔다. 하지만 이번 국립현대미술관에서 그의 개인전에 앞서 불편한 심기를 드러낸 이유는 작가는 1970년작 ‘현상에서 흔적으로’을 다시 재현하고자 미술관 외벽을 흰 광목천으로 싸고 싶다는 뜻을 미술관 측에 전했지만 그의 뜻이 거절되면서 시작되었다. ‘현상에서 흔적으로’ 작업은 그의 나이 33세, 그의 전시가 열린 1970년에 경복궁 국립미술관에서 미술관 건물을 흰 광목천으로 감싸는 형태다. 기성 미술을 대표하는 미술관, 기득권, 낡은 제도에 대한 비판의식을 보여주는 작품으로 낡은 관념과 제도를 마치 시신을 염하듯 천으로 묶어 날려버리고 새로운 지점을 향해 나아가자는 의미를 담고 있는 작품이다. 이날 전시를 담당한 국립현대미술관 류지연 과장(학예연구실 현대미술1과)은 “국립현대미술관이 등록문화재 375호이기 때문에 외벽을 천으로 감싸는 경우 문화재청 등 관련 부처와 협의해야 한다. 전시가 안되는게 아니라 전시 시한에 맞추지 못하는 상황이라 작가께 양해를 부탁드렸다.”라고 해명했다. 그럼에도 김구림 작가는 “건물에 손상이 오는 것이 아닌데, 어떻게 안되는지 난 도저히 이해가 안되고 현대미술관에서도 안된다고 하고, 문체부에서 해답을 안해준다.”라며 이는 “우리나라 현대미술을 말살시키는 것 밖에 안된다.”고 직격했다. 사실 전시를 어떻게 진행할는지에 대한 권한은 미술관 담당 학예사에게 있다. 그럼에도 김구림은 왜 자신의 주장이 받아들였다고 기자간담회에서 불편한 감정을 여과 없이 들어내었을까. 아마도 노 화가에게 이런 퍼포먼스는 마지막일지 모른다. 더군다는 9월은 우리나라에서 열리는 최대 미술사장 ‘키아프 서울’과 ‘프리즈 서울이’이 진행되어 해외에서도 수많이 컬렉터들이 방문한다. 이때 그에게는 자신을 어필할 수 있는 최고의 기회일 것이라 생각했을 수도 있다. 사실 김구림의 작품은 한국 현대미술을 소개하는 전시에는 늘 소개되어왔지만 대부분 과거의 퍼포먼스 작품이 사진 혹은 영상으로 소개되거나 설치작품이 소개되는 것이 대부분이라 그의 작품을 기억하기에는 쉽지가 않다. 김구림의 70여 년에 걸친 예술세계를 총망라한 전시로 서울관 6, 7전시실에 그의 작품세계를 총망라하는 230여 점의 작품과 60여 점의 아카이브 자료를 선보이는 전시로 무엇보다 그동안 쉽게 만나볼 수 없었던 작품을 소개함으로써 김구림에 대한 편견을 해소할 수 있는 전시가 아닌가 싶다. 먼저 6전시실에서는 작품 활동 초기부터 품어온 ‘현전과 현상’에 대한 작가의 오랜 관심을 확인할 수 있다. 1960년대 초반 비닐, 불, 천 등을 이용해 제작한 추상 회화, 1960년대 말 ‘회화 68’의 구성원으로 옵아트를 접하며 제작한 일렉트릭 아트, ‘AG’활동기에 선보인 얼음을 주재료로 사용한 <현상에서 흔적으로>(1970), 한국 실험영화사의 기념비적인 작품 <1/24초의 의미>(1969), 1970년대 초반 일본에서 머물며 제작한 설치작 등이 소개되고 있다. 7전시실에서는 김구림이 1984년 미국으로 건너간 뒤 ‘자연’에 집중하면서 제작한 작품들로 시작한다. 이 시기 작가는 나뭇가지 등을 화면에 부착해 자연과 인공의 관계를 탐구하고, 1990년대 접어들면서는 여러 개의 캔버스를 이어 붙여 제작한 콜라주 기법의 <음과 양> 평면 작업, 2000년대 중반 이후 물질문명의 부산물을 이용해 제작한 <음과 양> 오브제까지 두루 만나볼 수 있다. 7전시실에서는 주변 환경과 시대의 변화에 따라 회화, 판화, 오브제, 설치 등을 넘나들며 자신의 메시지를 전달하는 작가의 자유분방함과 새로운 방법론을 끝없이 발굴하는 작가의 왕성한 호기심 등을 확인할 수 있다. 더불어 현재 그가 품고 있는 문제의식을 엿볼 수 있는 신작 2점이 이번 전시에서 최초로 공개하고 있다. 첫 번째 작품 <음과 양: 자동차> 설치에서 작가는 고도로 문명화된 현대사회에서 불가피하게 발생하는 재해를 비판적이면서도 인간적인 시선으로 바라본다. 두 번째 작품 <음과 양> 설치는 미디어를 통해 소비되는 역사의 순간들이 반복 송출되는 비디오 조각 작품이다. 김구림은 언뜻 연관성이 없어 보이는 시간, 지역, 사건 등의 요소들을 충돌, 증폭시키는 가운데 인간으로서 지녀야 할 태도에 대해 질문을 던진다. 여전히 대중들은 현대미술 가운데에서도 ‘실험미술’을 바라보는 시선은 여전히 ‘호불호’가 가장 심한 장르라 할 수 있다. 노 화백이 보여주려던 것과 미술관이 우리나라 현대사적으로 노 화백의 어떤 면을 조명하려고 했는지는 이번 전시에 대한 평가는 역시 대중의 몫이 아닌가 싶다. 노 화백의 70년 동안 세상을 바라본 시각과 그리고 대중들에게 무엇을 보여주려고 했는지 말이다. 전시는 2024년 2월 12일(월)까지, 국립현대미술관 서울에서 진행된다. [권수진 기자]

[서울문화인] 평면의 캔버스는 그의 자유로움 표현하기에 부족하였을까... 그가 빚어낸 도자기는 형태는 자유롭지만 그 도자기에 그려낸 그림의 소재도 인물, 동물, 물고기, 신화 평소 그가 캔버스에 그려낸 주제를 담아내었다. 그래서 이 작품의 누가 봐도 피카소의 작품이라는 것을 알 수 있다. 피카소는 회에서와는 달리 도자 작품에는 해학이 넘쳐 보인다. 피카소는 도예 작업을 통해 해방감을 느꼈으며 흙을 만지면서 느낀 창작의 자유가 유희적 도예의 근간이 되었다. 그래서 그의 도자 작품은 유희적 도예로 분류하고 있다. 피카소는 일상의 기물을 예술로 전환하는 도예 작업에 각별한 애정을 갖고 노년에도 불구 그 어느 때 보다 다양한 작품을 만들었다고 한다. 지난 9월 1일, 국립현대미술관(MMCA) 청주 미술품수장센터(이하 청주관)가 2021년 기증된 이건희컬렉션 가운데 피카소 도예 112점 가운데 보존처리 문제로 5점이 제외된 107점을 공개하는 전시 《피카소 도예》를 열었다. 이건희컬렉션 가운데 피카소 도예 작품의 대규모 공개는 2021년 《MMCA 이건희컬렉션 특별전: 모네와 피카소, 파리의 아름다운 순간들》을 통해 피카소의 도자 90점이 공개된 이후 두 번째이다. 입체주의의 선구자이며 현대미술의 천재 화가로 불리는 피카소(Pablo Picasso, 1881-1973)는 회화뿐만 아니라 조각, 판화, 도예, 무대미술 등 다양한 매체를 넘나들며 한 분야에 안주하지 않은 열정적인 예술가였다. 특히 도예는 화가로서 괄목할만한 성취를 이룬 말년의 시기에 시도한 새로운 도전으로, 흙과 불의 특성에 매료되어 수많은 작품을 제작했다. 피카소가 처음 도자를 접하게 된 계기는 1906년 스페인 출신 도예가 파코 프란시스코 두리오(Paco Francisco Durrio, 1868-1940)를 만나면서다. 또한 그가 소개한 폴 고갱((Paul Gauguin, 1848-1903)의 도예 작품을 보고 도자의 매력을 발견하였다. 1929년에는 도예가 장 반 동겐(Jean Van Dongen, 1883-1970)과의 협업으로 화병을 제작하는 등 도예에 대한 호기심을 이어갔다. 그리고 1946년 휴가차 머문 지중해 연안의 도시 발로리스 마두라 공방을 방문하게 되면서 도예와 본격적인 인연이 시작되었다. 피카소는 마두라 공방에서 도예의 본질적인 요소들을 성실하게 배워나갔다. 화장토, 산화물, 유약 등의 도자 재료와 불과 흙의 특성 및 번조의 과정을 익혔으며, 공방에서 규칙적으로 생산되는 접시, 그릇, 화병 등에 대해 연구하며 도자의 매력에 깊이 빠졌다. 초기에는 도자 장인들의 도움을 받아 접시 위에 디자인하는 방식으로 작품을 만들었으나 점차 도자의 모양을 변형하면서 피카소만의 조형적 특성을 형성하며, 도예에서 회화와 조각, 판화의 요소를 두루 발견할 수 있는 점은 피카소 도예의 묘미이다. 특히 피카소는 평소 즐겨 다루었던 주제를 도예에 자유롭게 응용했다. 여인과 동물, 신화와 투우, 사람들과 얼굴 등 각각의 주제를 반복적으로 표현하거나 주제의 상충적인 결합을 통해 새로운 이야기를 창조하는 것을 즐겼다. 그 가운데에서도 인물은 피카소에게 빠질 수 없는 중요한 주제로 가장 흥미로운 탐구 대상이었다. 이번 전시에 가장 큰 비중을 차지하는 주제도 31점의 작품이 얼굴을 주제로 한 것이다. 피카소는 얼굴의 정면과 측면을 음각과 양각 기법, 나이프 각인 등으로 장식하거나, 백토와 적토의 접시와 화병에 단순하고 재치있게 묘사하며 재료와 기법에 따라 무한하게 주제를 확장했다. 1955년부터는 판화와 같이 원본을 기초로 여러점의 작품을 제작하는 에디션의 개념을 도입했다. 이번 전시에 소개되는 107점은 모두 에디션 작품으로, 피카소가 사용한 기법과 재료를 바탕으로 원본을 복제한 에디션 피카소(edition picasso), 작품 원판을 석고틀로 제작하고 점토로 찍어내는 엉프렁트 오리지널(empriente originale), 리놀륨 판화에 새겨 만든 도장을 점토 위에 눌러 제작한 뿌앙송 오리지널 드 피카소(poinçon original de picasso) 등의 방식으로 에디션을 표기했다. 이런 에디션 제작은 도예의 대중성과 범용성을 구현할 수 있도록 해주었고, 많은 사람이 자신의 작품을 향유할 수 있기를 바랬던 피카소에게는 더없이 매력적인 작업이었다. 이번 전시는 여인, 신화, 얼굴, 투우 등의 주제별로 구성되었으며, 1946년부터 프랑스 남부 도시 발로리스 등에서 꽃피운 피카소의 폭넓은 작품세계를 따라가는 여정을 담아내었다. 또한, 전시 공간은 지난 전시와는 달리 도자 뒷면의 에디션 기록을 관람할 수 있도록 디스플레이 되었다. 이 외에도 당시 마두라 공방의 모습과 작업 환경을 담은 사진 등 아카이브 56점과 영화 1편(루치아노 엠메르, 피카소를 만나다, 2000)이 소개되고 있다. 전시는 2024년 1월 9일(화)까지 진행되며, 누리집(mmca.go.kr)을 통한 예약제로 운영된다. 한편, 청주관 외벽과 로비에는 MMCA 청주프로젝트로 ‘미래의 가상 도시’ 담아낸 안성석 작가 작품을 만나볼 수 있는 《안성석: 모두의 안녕을 위해》이 진행되고 있으며, 청주관 2층에 위치한 ‘보이는 수장고’에서는 9월 5일(화)부터는 《보이는 수장고: MMCA 이건희컬렉션 3》를 개최한다. 작년 9월부터 시작하여 1부 김환기의 <여인들과 항아리>, 2부 박생광의 <무속> 등에 이어 3부에서는 백남순의 <낙원>(1936년경)과 변관식의 <무창춘색>(1955)을 선보인다. 서양화가 1세대인 백남순의 광복 이전 화풍을 살펴볼 수 있는 <낙원>과 산수화가 변관식의 독자적 표현기법을 확인할 수 있는 <무창춘색>은 동양과 서양, 전통과 근대를 잇는 새로운 잇는 새로운 회화와 이상향의 모습을 담고 있다. [허중학 기자]

[서울문화인] 9/11 테러의 충격이 채 가시지 않은 2002년 여름에 도시 곳곳에서 공공미술 프로젝트가 진행되었다. 그 중 하나로 록펠러 센터 광장에서 진행된 전시 개막식에서 백남준은 위로와 응원의 메시지를 담은 피아노 퍼포먼스 〈20/21〉을 선보였다. 당시 백남준은 뉴욕과 시드니에서 〈20세기를 위한 32대의 자동차: 모차르트의 진혼곡을 조용히 연주하라〉(1997)와 함께 8미터 높이의 메인 타워와 사이드 타워들로 구성된 〈트랜스미션 타워〉 작품을 함께 선보였는데 이 작품은 백남준의 레이저 협업자 노먼 발라드는 백남준의 피아노 사운드에 맞추어 네온과 레이저가 반응하도록 프로그래밍하여, 움직임이 불편했던 노년의 거장 백남준이 자유롭게 빛을 조정할 수 있도록 하였다. 최근 경기문화재단 백남준아트센터(관장 김성은)는 백남준의 2002년 뉴욕 록펠러 센터 광장과 2004년 시드니 오페라 하우스에서 전시되었던 이 대형 레이저 설치 작품 〈트랜스미션 타워〉(2002)가 국내 최초로 백남준아트센터 야외에 공개하였다. 메인 타워 옆면에는 빨강 파랑 노랑 초록색의 네온이, 상단에 레이저가 설치되었는데 방송 송신탑 형태의 타워들과 네온, 레이저가 하나로 어우러지며 빛을 통한 21세기 정보시대의 상징하는 것으로 이번 타워의 레이저 작업은 윤제호 작가가 새롭게 〈공명하는 주파수〉로 재구성하였다. 윤 작가는 모차르트 진혼곡의 음, 타워를 둘러싼 네온의 네 가지 색 요소들, 그리고 타워 상단의 레이저 광선들을 분절하고, 중첩하며, 확장하고, 디지털로 재가공하여 공간과 시간 사이에서 공명하도록 했다. 타워의 레이저는 숲과 언덕을 가르며 스펙터클한 경관을 연출, 20년 전 백남준이 상상했던 기술과 정보, 생태가 균형을 이루는 미디어 환경을 눈앞에 펼쳐내었다. 이와 함께 1997년 뮌스터 조각 프로젝트에서 처음 선보이며 화제를 불러 일으켰던 백남준의 〈20세기를 위한 32대의 자동차: 모차르트의 진혼곡을 조용히 연주하라〉가 〈트랜스미션 타워〉와 함께 설치되었다. 〈20세기를 위한 32대의 자동차>는 폐차된 실제 자동차 32대로 구성된 작품으로 작품 속 자동차들의 좌석에는 텔레비전을 비롯한 시청각 기계들의 잔해가 가득하다. 이 작품은 자동차를 통해 20세기를 대표하는 기술문명에 진혼곡으로 고별을 알린 작품으로 새로운 세기의 매체인 레이저를 사용하는 〈트랜스미션 타워〉와 한 자리에 전시되어 기술문명이라는 세기의 변환을 보여준다. 백남준은 “자동차는 20세기 기계 문화의 상징입니다. 그리고 레이저는 21세기 정보 문화의 상징입니다.” 라고 언급하며, 이 작품들을 두 세기를 은유하는 메시지의 완성이라고 평한 바 있다. 이 두 작품은 백남준아트센터 2층으로 연결되어 〈트랜스미션 타워〉와 관련된 기록과 백남준의 퍼포먼스 영상이 유리를 통해 안팎으로 조응한다. 특히 오후 5시부터 8시까지 아트센터 야외에서 역동적인 레이저와 네온이 만들어내는 빛의 향연을 경험할 수 있게 하였다. 〈트랜스미션 타워〉는 뉴욕에서 선보인 이후 백남준이 경기문화재단에 기증하였으며, 〈20세기를 위한 32대의 자동차>는 현재 리움미술관이 소장하고 있다. 타워의 레이저는 외부에서 전시실 내부로 이어진다. 전시실 벽면을 가득 채운 아카이브 영상들은 2002년 뉴욕 록펠러 센터 앞 광장을 담고 있다. 뉴욕 전시의 오프닝 현장과 저녁 시간에 반짝이는 타워의 모습을 벽면 전체에서 감상하며, 귀에 익숙한 미국적 레퍼토리로 구성된 백남준의 피아노 퍼포먼스 〈20/21〉를 처음부터 끝까지 듣고 볼 수 있다. 밀레니엄을 맞으며 제작된 〈호랑이는 살아있다〉는 레이저 조각 〈삼원소〉 앞에서 육성으로 ‘금강에 살어리랏다’를 열창하는 백남준을 보여주며, 한국적 상상력에 기초하여 백남준 예술의 실험성과 자유로움을 표현한다. 또 다른 레이저 조각 〈삼원소: 삼각형〉은 역동적으로 움직이는 레이저 빛으로 신비로운 광경을 만들어낸다. 흔히 백남준은 시대를 앞서간 예술가라 지칭한다. 백남준은 인간과 기술이 균형을 이루는 긍정적인 미디어 환경을 예견했고, 미디어와 공존하는 법에 대해 생각해 볼 것을 제안했다. 《트랜스미션: 너에게 닿기를》은 20년 전 백남준의 레이저 광선을 다시 쏘아 올리며, 백남준이 보낸 미디어 환경에 대한 메시지를 확인해볼 수 있는 전시가 아닌가 싶다. 전시는 오는 12월 3일까지 무료로 관람할 수 있다. [허중학 기자]

[서울문화인] 국제갤러리 부산점에서 한국 추상회화의 대표 여성작가로 알려진 최욱경(1940-1985)의 개인전 《낯설은 얼굴들처럼(A Stranger to Strangers)》을 지난 8월 25일(금)부터 진행하고 있다. 최욱경 개인전은 이번이 국제갤러리와는 네 번째 전시이지만 부산에서 처음 선보이는 작가의 개인전이다. 최욱경은 대담한 필치와 강렬한 색채를 사용하며 한국 추상회화의 대표 작가로 알려져 있지만 이번 부산에서 선보이고 있는 전시에서는 미국 유학시절 다양한 매체를 실험하며 개인 및 작가로서의 고민을 고스란히 담은 흑백 드로잉 및 판화 29점과 크로키(인체 드로잉) 9점을 선보이고 있다. 전시의 제목 “낯설은 얼굴들처럼”은 최욱경이 1972년 첫 번째 미국 체류를 마치고 잠시 한국으로 돌아와 활동하던 시기에 출간한 국문 시집의 제목을 차용하였다. 이 시집에는 유학 시절에 쓴 45편의 시와 함께 16점의 삽화로 구성되었다. 최욱경은 앞서 1965년에는 『작은 돌들(Small Stones)』이라는 영문 시집을 출간, 문학에 대한 자신의 관심을 처음으로 드러냈다. 국문 시집 『낯설은 얼굴들처럼』(1972)은 작가가 ‘뿌리를 흔드는 경험’이라 표현했을 만큼 모든 것이 새로웠던 당시의 생경한 환경과 자극을 마주하며 자신의 정체성을 능동적으로 다져가던 과정을 가장 직접적인 텍스트와 이미지로 기록한 것이라 할 수 있다. 이번 전시 타이틀은 미술 교육자이자 시인이기도 했던 그의 이 시집에서 차용된 만큼 전시에는 이 시집에 삽화로 소개되는 16점의 작품 중 〈습작 (習作)〉, 〈실험 (實驗)〉, 〈I loved you once〉, 〈Study I〉, 〈Study II〉, 〈experiment A〉 6점이 이번 전시에 포함되었다. 이 외에도 이번 전시에 소개되는 흑백의 종이 드로잉 작품들과 함께 콜라주 작품들은 작가의 일상을 채우던 생각의 파편들이 담겨있어 마치 일기장 속 미완의 이야기들을 엿보는 듯하다. 특히 최욱경의 콜라주 작품들은 현실과 이슈들을 즉각적으로 반영했다면, 드로잉 작품에는 종종 의식의 흐름에서 즉흥적으로 나온 단어 또는 생각 등이 담긴 텍스트가 등장한다. 〈Untitled〉(c. 1960s)에서는 최욱경 자신인지 누구인지 알 수 없는 이질적인 인물 옆에 영문으로 “I DON’T KNOW WHAT YOUR DOING, BUT. I CAN’T HELP YOU BECAUSE I DON’T LIKE IT. (당신이 무얼 하고 있는지 모르겠는데, 그렇지만. 내 맘에 안 들기에 난 도와줄 수 없겠다.)”라 쓰인 문구를 볼 수 있다. 작품 속 텍스트는 작가가 직접 들은 말이든 생각의 단상을 적은 글이든 이는 정제되지 않은 날 것의 감정을 그대로 전달한다. 1969년 3월 22일이라는 날짜가 명시된 〈Untitled〉 작품 속 컴컴한 어둠에서 태아가 웅크리고 있는 형상과 함께 “When the time comes will the sun rise / … / will the time ever come to me? (때가 되면 해가 뜰까 / … / 과연 내게 때가 오긴 할까”라는 글귀는 암담한 당장의 현실 속에서 기대해보는 희망의 미래를 역시 꽤나 솔직한 언어로 서술하고 있다. 〈Untitled (AM I AMERICAN)〉(c. 1960s)에서는 작가가 머나먼 땅에서 혼자 작업하고 생활하며 ‘나는 미국인인가’와 같은 생각의 파편이 담긴 작품 속에서는 자기 정체성의 혼란을 느낀 흔적을 발견할 수 있다. 그럼에도 불구하고 시집에 담긴 시 「그래도 내일은」(p.36)을 보면 작가는 “그래도 내일은, 다시 솟는 해로 밝을 것입니다. 꽃피울 햇살로 빛날 것입니다.”라며, 무수히 괴롭고 외로운 나날들 속에서도 내일은 희망찰 것이라 믿고 있음을 알 수 있다. 최욱경은 1963년 서울대학교 회화과 졸업 이후 변화의 필요성을 절실히 느끼고 작가로서의 역량을 확장하기 위해 1963년 미국 유학을 결심한다. 이후 크랜브룩 미술학교 서양화과, 브루클린 미술관 미술학교에서 수학하였고, 1968년부터 1971년까지 미국 프랭클린 피어스 대학의 미술과 조교수로 일하였다. 유학 중 작가는 잉크, 연필, 차콜, 콩테, 판화 등 다양한 매체를 접하고 탐구했고, 낯선 환경 속에서 숱한 실험과 수행을 거쳐 자신만의 독자적인 언어를 구축할 수 있었다고 한다. 크랜브룩 아카데미 오브 아트(Cranbrook Academy of Art) 대학원 과정에 진학한 후에는 그간 단순히 연습 과정이라 여겼던 드로잉 작업의 중요성을 인지해 다시 기본기에 충실하고자 방대한 양의 소묘를 제작하기도 했다. “그때 정말 많이 그렸다” 회고하던 작가는 “2년을 그렇게 그리고 나니까 졸업할 무렵엔 ‘아, 이것이 그거구나’ 하는 생각을 하게 됐고 나는 더 그림을 그려야 한다는 마음을 굳힐 수가 있었다”라 말한다. 끝없는 연습과 함께 회화에 대한 지속적인 탐구에의 열의를 놓지 않았던 작가의 의지는 어쩌면 자신이 가장 자유로울 수 있는 매체로 찾아낸 시와 드로잉의 언어를 통해 가감 없이 발현시켰다. 1978년 귀국한 작가는 영남대학교 회화과 부교수, 덕성여자대학교 서양화과 교수 등을 역임하면서 후학 양성 및 창작활동에 전념하였다. 한편, 국립현대미술관은 지난 2021년 최욱경의 대규모 회고전 《최욱경, 앨리스의 고양이》를 국립현대미술관 과천에서 개최되었었다. 당시 전시는 미국 유학 후 1970년대 한국과 미국을 오가면서 작품 창작과 강의를 병행했던 작가의 전방위적인 활동 이력을 총체적으로 조망하는 회고전으로 진행되었다. [허중학 기자]

- 유화와 드로잉, 신문지작업, 조각, 스케치북 등 약 120점 전시 - 도자기와 화구, 청년 시절의 사진, 작가 수첩, 편지, 50년대 스크랩북 등 100여 건의 자료 최초 공개 [서울문화인] 2015년, <19-Ⅶ-71#209>(1971년 작)이 서울옥션 홍콩 경매서 한화 47억 2100만원(3100만 홍콩달러)에 낙찰되면서 이전의 최고가로 남아있던 박수근의 <빨래터>를 제치고 국내 작가 미술품 경매 중 최고가 기록한데 이어 2019년, 김환기의 <Universe 5-IV-71#200>(1971년 작)가 크리스티 홍콩 경매서 한화 132억 3600만원(8800만 홍콩달러)에 낙찰되면서, 한국 미술품 중 최초로 한화 100억을 넘긴 작품을 기록하며, 한국의 미술품 경매의 신기록을 써 내려가고 있는 작가 김환기. 20세기 한국 미술사에 ‘추상’이라는 새 장(場)을 연 김환기(1913~1974)는 박수근(1914~1965), 이중섭(1916~1956)과 함께 ‘국민화가’로 불리며, 한국 미술사에서 빠질 수없는 작가이다. 올해는 그의 탄생 110년을 맞이하는 해로 호암미술관(경기도 용인)이 1년 반 동안 전시환경 개선을 위한 내부 리노베이션을 진행하고 새롭게 선보이는 첫 전시로 수화 김환기를 선택했다. 김환기는 한국 근현대미술사를 대표하는 거장이자 서구 모더니즘을 한국화 했다는 평가를 받고 있다. 그는 프랑스와 미국에서 활동하며 한국 미술의 국제화를 이끌었을 뿐만 아니라 추상 계열에서 벗어나 구상을 추구하면서도 조형수단의 자율적인 표현을 추구했다. 또한 사실적인 표현보다는 면, 선, 형태, 색체, 리듬 등으로 대상을 조형적으로 새롭게 표현했다. 30년대 일본으로 유학을 떠나 입체주의와 초현실주의, 구축주의 등 당시의 전위미술인 추상미술사조를 익히고 1937년 귀국, 한국 미술사에 추상이라는 새로운 장을 열며, 명실상부 한국 최초의 추상화가가 되었다. 당시는 김환기가 작업의 또 다른 중요한 축인 한국의 전통과 자연에 눈을 뜨기 시작한 시기로 민족예술의 계승을 주창한 김용준, 이태준, 최순우 등과 교류하며 전통미술에 대한 식견과 사랑을 키웠고, 자연과 전통의 현대적 표현을 목표로 평생을 추상에 매진했다. 1963년, 50세에 건너간 뉴욕에서 김환기는 무수한 이방인 무명작가의 한 사람이었지만, 자신만의 독창적 예술을 찾기 위해 치열하고 꾸준하게 조형실험을 이어갔고, 만년에 이르러 자연과 인간, 예술에 대한 동양적 사유와 관조를 담은 전면점화에 도달하게 된다. 그의 점화에는 1930년대부터 이어져온 그의 추상 여정이 함축되어 있고, 그 작은 점 하나하나에는 자연과 인간, 예술을 아우르는 보편적 세계에 대한 확장된 사유가 담겨 있다고 할 수 있다. 호암미술관 1,2층 전시실 전관에서 약 120점을 선보이는 전시 <한 점 하늘_김환기 a dot a sky_kim whanki>는 김환기의 40년 예술세계 전반을 살펴보는 대규모 회고전으로 꾸며져 시대별 대표작은 물론, 도판으로만 확인되던 여러 초기작들과 미공개작, 작가의 손길이 느껴지는 스케치북과 드로잉들을 최초로 선보일 뿐만 아니라 유족의 협조로 김환기의 유품과 편지, 청년시절의 사진, 낡은 스크랩북 등이 처음으로 전시를 통해 공개되고 있다. 2층 전시실에서 시작되는 전시 1부(달/항아리)는 김환기의 예술이념과 추상형식이 성립된 1930년대 중반부터 1960년대 초까지의 작업을 소개하고 있다. 이 시기에 작가는 한국의 자연과 전통을 동일시하며 작업의 기반을 다지고 발전시켜 나간 시기로 전시에서는 달과 달항아리, 산, 구름, 새 등의 모티프가 그림의 주요 주제로 자리잡으며 그의 전형적인 추상 스타일로 정착되어 가는 과정을 살펴볼 수 있다. 1부에서는 지정문화재로 등록된 국립현대미술관 소장 <론도>(1938)는 물론, 김환기 특유의 한국적 추상의 서막이라 할 수 있는 <달과 나무>(1948), 도자기가 빼곡한 성북동집 작업실 나무선반을 연상시키는 <항아리>(1956), 시간을 초월한 자연과 예술의 영원성을 표현한 <영원의 노래>(1957), 전통미술양식과 점화의 씨앗이 함께 공존하는 <여름달밤>(1961) 등이 전시되며, 다수의 초기 작업들이 전시를 통해 처음으로 소개되고 있다. 특히 작가의 유일한 벽화대작 <여인들과 항아리>가 이전에는 1961년 작으로 알려져 있었으나 이번 전시를 계기로 발견된 작가 수첩을 통해 제작연도가 1960년으로 확인되었다. 1층 전시실로 이어지는 2부(거대한 작은 점)에서는 김환기가 뉴욕 이주 이후 지속적으로 변화를 시도하며 한국적 이면서도 국제무대에서 통할 새로운 추상 세계를 찾아가는 과정을 보여준다. 그는 뉴욕 시기 초기까지 이어지던 풍경의 요소를 점과 선으로 흡수하여 추상성을 높이고 다채로운 점, 선, 면의 구성으로 수많은 작업을 시도한 끝에 점화에 확신을 얻고 1969년과 1970년 사이에 전면점화의 시대에 들어가게 된다. 달과 산 등 풍경요소들이 선과 점, 색면으로 대체되는 <북서풍 30–Ⅷ–65>(1965), 김환기의 점화를 처음으로 알린 작품이자 김광섭의 시 ‘저녁에’를 늘 맘속으로 노래하며 그린 작품 <어디서 무엇이 되어 다시 만나랴 16–IV–70 #166>(1970), 한국 미술품 경매가 최고 기록한 작품이자 ‘우주’라는 별칭으로 사랑받고 있는 <5–IV–71 #200>(1971), 동양적 세계관을 엿볼 수 있는 <하늘과 땅24–Ⅸ–73 #320>(1973) 등이 함께 전시되며, 작고 한 달 전에 죽음을 예감하듯 그린 검은 점화 <17–VI–74 #337>(1974)로 전시는 마무리된다. 이번 회고전에는 그간 전시를 통해 보기 어려웠던 여러 초기작뿐 아니라 최초로 공개되는 1950년대 스케치북과 70년대 점화 등이 소장가들의 협조로 선보이게 되었다. 또한, 스물네살 청년 김환기의 사진, 작가가 애장한 도자기와 선반, 삽화와 기고문이 꼼꼼히 정리된 스크랩북, 파리 개인전의 방명록, 문화예술인 160명이 이름을 올린 1974년 추도식 팸플릿 등 작가의 유족이 수십 년 간 간직해온 김환기의 흥미로운 자료들을 볼 수 있다. 전시를 담당한 태현선 리움미술관 소장품연구실장은 “김환기는 한국현대 미술의 역사이자 상징같은 존재로 ‘고전’을 만들고자 했던 작가의 바람대로 그의 예술은 오늘날에도 공명한다”라며, “그러나 김환기를 수식하는 최근의 단편적인 수사들은 김환기의 예술세계를 다시 한 번 총제적으로 살펴보는 전시가 필요함을 일깨운다”며 회고전의 의미를 밝혔다. 전시는 9월 10일(일)까지 진행되며, 관람요금은 14,000원이다. 관람예약은 호암미술관 홈페이지(www.hoammuseum.org)을 통해 관람 2주전부터 온라인 사전 예약 후 관람가능하며, 현장발권도 가능하다. (매주 월요일 휴관, 관람시간은10:00~18:00(매표마감 17:00)) [허중학 기자]

[서울문화인] 2021년 대한민국은 ‘이건희 컬렉션’으로 불리는 이건희 회장 소장 예술작품 11,023건 약 2만3천여 점을 국공립박물관.미술관에 기증하겠다고 밝혀 세간의 큰 이목을 끌었었다. 이 중에서 국립현대미술관에 기증하기로 한 작품은 1,488점(1,226건)에 이른다. 당시 ‘이건희 컬렉션’으로 주목을 끌지 못하였지만 국립현대미술관에는 또 다른 소중한 기증이 이뤄졌었다. 바로 2021년~2022년, 2회에 걸쳐 국립현대미술관에는 동산방화랑 설립자 고(故) 동산 박주환(1929-2020) 대표가 수집하고 그의 아들 박우홍(現 동산방화랑 대표)에 의해 한국화 209점이 기증되었다. 이로 인해 국립현대미술관은 ‘동산 박주환 컬렉션’ 209점이 더해져 한국화 소장품 수는 1,388점에서 1,542점으로 증대되어 보다 폭넓은 한국화 연구의 기반이 마련되었다. 당시 기증 작품은 회화 198점, 조각 6점, 판화 4점, 서예 1점이다. ‘동산방화랑’은 서울 종로구 인사동에서 1961년 표구사로 시작, 1965년 전시장을 별도로 운영하다가 1974년에 이르러서야 화랑이라는 타이틀을 붙이면서 표구사에서 화랑의 기능을 하게 되었다. 동산방화랑은 한국화 전문 화랑으로서 신진 작가 발굴과 실험적인 전시 기획을 바탕으로 현대 한국화단의 기틀을 마련했다. 당시는 조선시대, 근대 작품은 활발하게 거래되었으나, 서양화의 거래는 극히 미미했다. 국립현대미술관(MMCA, 관장 직무대리 박종달)은 이를 기념하여 《동녘에서 거닐다: 동산 박주환 컬렉션 특별전》을 지난 5월 18일(목)부터 국립현대미술관 과천에서 선보이고 있다. 전시 제목에서 ‘동녘’의 의미는 기증자의 호인 ‘동산(東山)’을 기념하는 동시에 해가 떠오르는 이상향의 자연을 상징하며, 근대 이래 한국화가들이 꿈꾸고 그려온 삶의 세계와 비전을 조망하는 이번 전시 주제를 관통하고 있다. 이번 특별전은 ‘동산 박주환 컬렉션’ 작품 209점 중 90여 점의 한국화 대표작을 선보이는 전시로 기증작 중 1920년대에서 2000년대까지의 한국화의 변모와 실험의 단층들을 보여주는 대표작으로 구성, 사진사이자 사군자 화가로서 한국 근대미술의 미적 가치를 탐구한 김규진(1868~1933)부터 현대인의 삶을 수묵으로 표출하는 유근택(1965~)에 이르기까지 작가 57인의 예술적 실천을 통해 한국미술의 시대적 변천과 그 성격을 확인할 수 있다. 전시는 한국화의 시대적 흐름에 따라 크게 네 개의 주제와 ‘생활과 그림’이라는 한 개의 소주제로 구성되었다. 1부 ‘신구화도(新舊畵道): 옛 그림을 연구하여 새 그림을 그리다’에서는 근대화단의 탄생과 전개의 일면과 서화(書畵)의 대중화를 표방했던 당시 화단의 시대적 흐름을 짚어보고 있다. 대표작으로는 전시에는 근대적 미술 교육기관인 서화연구회를 발족하고(1915) 사군자화 그리기의 대중화에 힘썼던 해강(海岡) 김규진 <풍죽>, 1922년 제1회 《조선미술전람회》에서 최고상을 수상한 의재(毅齋) 허백련(1891~1977)의 매화 고목을 담묵으로 묘사한 10폭 연폭 병풍 <월매>, 변관식(1899-1976), 1923년 작품으로 가을날의 암산과 물가의 쓸쓸한 풍경을 묘사한 산수화 <추경산수>, 제5회 《조선미술전람회》(1926) 출품작으로 등록문화재로 지정된 적막한 초겨울 농가의 풍경을 표현한 청전(靑田) 이상범 <초동> 등을 비롯하여 김진우, 김은호, 이상범, 박승무, 이용우, 최우석 등도 만나볼 수 있다. 2부 ‘한국 그림의 실경(實景)’에서는 1945년 광복을 맞이한 이래 한국전쟁(1950~1953)을 거치는 시대적 격동 속에서 전통 화단의 계보를 잇고 한국 회화의 정체성을 형성하고자 노력했던 작가들을 조명하고 있다. 2부에서는 앞선 세대의 화가들이 이루어 놓은 예술적 기반을 토대로 독자적인 화풍을 이룩한 손재형의 <석죽(石竹)>을 비롯하여 이번에 공개된 <송하인물(松下人物)>는 이상범, 김기창, 정종여 세 작가가 함께 그려낸 작품으로 소나무 아래에서 바위에 기대어 달을 감상하는 인물을 묘사한 작품이다. 이 작품은 정종여(1914~1984)가 월북하기 1년 전인 1949년, 김기창(1914~2001), 이상범(1897~1972)과 합작(合作)하여 그린 작품으로 정종여는 소나무, 김기창은 인물, 이상범은 마지막에 그림과 부합하는 화제를 써 하나의 작품을 완성했다. 합작은 근대기에 이르러 서화가들의 창작방식의 하나로 자리 잡았다. 이 외에도 이응노, 허건, 배렴, 장우성, 김옥진 등의 산수화와 화훼화, 한국 채색화의 전통을 잇고 발전시킨 정은영, 유지원, 김흥종의 영모도, 화접도를 함께 조명하고 있다. 3부 ‘전통적 소재와 새로운 표현’에서는 전통 소재의 현대적 해석과 표현을 시도했던 장운상, 박노수, 서세옥, 송영방, 이규선과 현장 사생(寫生)을 토대로 실경산수화의 현대적 면모를 실험했던 오용길, 이열모, 이인실, 이영찬, 김동수, 송영방, 이종상, 임송희와 더불어 수묵의 가능성을 종이 위에 적극적으로 도입한 송수남, 이철량, 하태진, 이종상 등 국내 미술대학에서 수학하고 1960년대 이후 전통회화기법에 과감한 조형실험을 시도하여 현대 한국화의 새로운 길을 모색했던 작가들의 작품을 선보이고 있다. 4부 ‘중도의 세계: 오늘의 표정’에서는 전통 수묵화 매체의 근간인 ‘지·필·묵’으로부터 벗어나 자유롭게 작업 세계를 펼친 작가들과, 한국화의 화법적 질서 또는 동양적 미감을 적용한 서양화와 판화 작품을 조명하고 있다. 4부에서는 강경구, 석철주, 김호득, 유근택의 작품에서 포착할 수 있는 산수화에 대한 새로운 해석이나, 이왈종, 임효, 류민자, 김영주, 신명범, 김근중의 작품에서 보이는 전통적 상징성과 조형성 그리고 장상의, 송수련, 박석호, 이항성, 석란희의 화면에서 구현된 자연에 대한 관조적 심상 등을 볼 수 있다. 마지막 ‘에필로그: 생활과 그림’에서는 그림을 통해 화가들이 주변인들과 소통하고 그 의미를 전달하며 삶의 세계를 투영하는 모습을 조명, 어떤 공간이라도 산수화가 걸리면 그곳엔 하나의 자연이 펼쳐지고, 축수화(祝壽畵)나 길상도가 걸려 있으면 바라보는 이로 하여금 축복의 의미를 되새기게 한다. 아울러 전시실 밖 회랑 공간에서는 동산방 표구(1961~)와 동산방화랑(1974~)이 걸어온 발자취를 아카이브와 인터뷰 영상을 통해 조명k며, 아카이브에서 표구 디자인 개발 등으로 한국화가들의 작품 활동을 뒷받침한 동산방 표구의 행적도 확인할 수 있다. 개막에 앞서 간담회를 찾은 고(故) 동산 박주환의 아들이자 현 동산방화랑 대표 박우홍(72)은 “제 선친이신 동산 박주환은 미술계에 들어와 생계를 꾸리고 자식들을 교육시켰는데, 세상을 떠나며 한국 미술에 보탬이 됐으면 하는 바람을 남겼다. 장남으로 늘 곁에서 지켜봤던 저는 그 바람을 새겨서 두 동생과 상의한 후 작품 기증을 결정했다.” 이어 “동산방화랑에서 심부름부터 군생활을 제외하고도 47년이나 함께 했다. 국립현대미술관에서 이렇게 기념해서 전시를 가지게 되어 기쁘다.”고 밝혔다. 한편, 일제가 1922년부터 해마다 개최한 미술 공모전인 ‘제1회 조선미술전람회’를 개최하면서 1부 동양화, 2부 서양화 및 조각 3부 서(書)로 구분하며 ‘서양화’와 대칭되는 개념으로 ‘동양화’라는 용어가 쓰였다. 하지만 1950년부터 ‘동양화’를 대신해 중국화와 일본화에 대응하기 위한 명칭으로 ‘한국화’를 사용하자는 주장이 제기되었고 ‘한국화’라는 용어는 1982년 한국문화예술진흥원 주관의 ‘제1회 대한민국미술대전’을 통해 공식적으로 사용하기 시작했다. 전시는 2024년 2월 12일(월)까지 진행된다. [허중학 기자]

- 서울시립미술관 개관 이래 최초로 미술작품과 더불어 미술자료를 공식 수집, 활용하는 체제 확립 - 2017년 사전 수집 단계부터 현재까지 총 22개 컬렉션, 57,000여 건의 미술아카이브 수집 - 소장자료 기획전을 비롯한 전시, 교육, 공공 및 연구 프로그램 등 아카이브미술관의 특색을 반영한 다양한 프로그램 운영 - 소장자료의 온라인 열람, 검색에 더해 다양한 데이터 서비스를 통해 열린 연구를 자극하는 디지털미술아카이브 운영 [서울문화인] 서울시립미술관이 종로구 평창동에 현대미술의 중요 자료를 수집, 보존, 연구, 전시하는 아카이브 전문 분관인 서울시립 미술아카이브(Art Archives, Seoul Museum of Art, 이하 ‘미술아카이브’)를 개관하였다. 미술아카이브는 2014년부터 건립 준비를 시작해 2017년 진행한 설계 공모에서 총 125팀(국내 69팀, 해외 56팀)의 경합 중 최종 선정된 ㈜건축사사무소 아크바디(김성한 소장)의 ‘Decentering the Center(탈중심: 수평차원의 다원적 미술문화복합공간)’ 디자인이 채택되어 2019년 9월 착공, 공사비 총 267억 원을 투입하여 종로구 평창동에 대지면적 7,300㎡, 연면적 5,590㎡(1,691평) 규모로 건립되었다. 2022년 9월 완공된 미술아카이브는 주요 기능에 따라 △모음동 △배움동 △나눔동을 갖춘 공간으로 조성되었다. 모음동은 미술아카이브의 보존과 연구, 전시를 위한 공간이다. 1~2층에는 전시실 및 책과 함께 휴식하는 공간인 ‘레퍼런스 라이브러리’가 있고, 3층에는 예술기록을 열람하는 ‘리서치랩,’ 2~4층에는 보존서고가 있다. 지형을 따라 이어지는 옥상에는 미술관 소장품이 주변의 경관과 함께 어우러진다. 배움동에는 다양한 교육 프로그램과 배움 활동이 이루어지는 ‘모두의 교실’이 있다. 홍제천을 마주한 나눔동의 1층에는 카페가 있고, 2층에는 학술행사와 공연 등 공공 프로그램이 진행되는 ‘다목적홀’이 있다. 미술아카이브의 라운지에는 미술도서를 자유롭게 열람하고 책과 함께 휴식할 수 있는 ‘레퍼런스 라이브러리’를 조성하였다. 총 좌석은 50여 석으로, 전 세계 주요 출판사와 작가, 기획자 등 다양한 생산자가 제작한 가치 있는 책을 선보이기 위해 2019년부터 국내외에서 출판된 미술도서를 조사해서 4,500여 권을 수집했다. 일반도서관에서 쉽게 접하기 어려운 전시도록, 아티스트북, 소규모 독립출판물부터 어린이책까지 다양한 주제와 유형의 책을 소개한다. ‘리서치랩’은 원본(실물) 열람 서비스를 제공하는 공간이다. 총 좌석은 12석으로 사전예약제로 운영되며, 서울시립 미술아카이브에서 소장하고 있는 미술아카이브 컬렉션 57,000여 건 중 2년여 간의 아카이빙 공정을 완료한 2만여 건의 열람 서비스를 제공한다. 서울시와 서울시립미술관은 서울시립 미술아카이브 개관을 준비하며 2017년부터 현재까지 총 22개 컬렉션, 57,000여 건의 아카이브를 수집했다. 그동안 공개되지 않았던 작가노트, 드로잉, 육필원고, 일기, 서신, 메모, 사진, 필름, 소장도서 같은 창작자와 비평가, 기획자 등 매개자의 예술기록을 중점적으로 수집했다. 수집한 미술아카이브는 목록화, 디지털화, 보존처리 및 배가, 등록, 해제연구, 심화 콘텐츠 제작 등의 준비 과정을 거쳐 2021년 12월부터 ‘디지털미술아카이브’에서 예술기록 9개 컬렉션을 공개하고 있다. 사전 공개된 ‘디지털미술아카이브’는 사용자 참여형 콘텐츠와 연구자 콘텐츠로 구성되어 있다. 특히 사용자 참여형 콘텐츠에는 아카이브 필사, 아카이브 스토리가 있으며, 연구자를 위한 전문 기능인 분류·전거레코드·시소러스 검색, 연구가이드, 아카이브 정책 등을 제공한다. 한편, 개관 기획전으로 비평, 연구, 번역, 교육 등 미술의 제반 매개활동에 평생을 헌신한 최민(1944~2018)의 컬렉션 연구를 통해 미술 매개활동의 잠재력과 가능성을 환기하는 《명랑 학문, 유쾌한 지식, 즐거운 앎》을 비롯하여 창작자의 1차 자료를 살펴보는 《아카이브 하이라이트: 김용익, 김차섭, 임동식》, 옥상정원과 유휴공간을 활용한 《SeMA-프로젝트 A》, 아카이브를 매개로 한 교육․공공․연구 프로그램을 진행한다. [허중학 기자]

[서울문화인] 국립현대미술관은 연간 약 20건, 1986년 개관 이래 현재까지 800여 회의 전시를 개최하며 수많은 담론을 생성하고 전시의 역사를 만들어왔다. 특히 올해는 서울관 개관 10주년, 미술품수장센터의 특성화 미술관으로 개관한 국립현대미술관 청주관은 개관 5주년을 맞이했다. 지난 3월 29일 청주관에서는 국립현대미술관의 지난 전시 중 ‘기념’을 위해 개최되었던 4개 전시를 다시 전시하며 전시를 통해 무엇인가를 기념한다는 것의 의미를 살펴보는 기획전 《전시의 전시》를 선보이고 있다. 이번 전시는 미술관의 다양한 활동 중 ‘전시’자체에 주목하고 이미 종료된 전시를 소장품을 전시하듯 다시 전시함으로써 소장품 수집과는 다른 전시의 수집과 활용의 의미를 생각해보고자 진행되는 전시라 할 수 있다. 전시는 세 부분으로 구성된다. 첫 번째 ‘전시의 전시: 기술’에서는 전시를 완성하기 위해 고려해야 할 여러 가지 요소들을 살펴본다. 완성된 전시에서는 알 수 없었던 전시의 과정과 고려해야 할 기술적 요소들을 전시함으로써 하나의 전시를 완성하기 위한 과정과 결과를 공유한다. 특히 전시를 이루는 단계적 구성요소로 공간 및 시각 디자인, 공간 설계 및 공사, 홍보 등 일반화된 과정과 기준 혹은 틀에 대해 생각해볼 수 있게 꾸며졌다. 미술관에서는 개관 기념, 광복, 작가의 탄생과 죽음, 국가 간의 수교 등 다양한 목적의 기념 전시가 개최되었다. 두 번째 ‘전시의 전시: 기념’에서는 국립현대미술관 지난 전시 중 ‘기념’을 주제로 한 4개 전시를 다시 살펴본다. 이 공간에서는 국립현대미술관에서 개최된 여러 기념 전시 중에서 광복 60주년 기념 《한국미술 100년(1부)》(2005)전, 미술관 개관 40주년 기념 《신호탄》(2009)전, 덕수궁관 개관 20주년 기념 《내가 사랑한 미술관: 근대의 걸작》(2018)전, 청주관 개관 기념 《별 헤는 날: 나와 당신의 이야기》(2018)전 등 4개 전시를 선정하여 재구성하였다. 과거의 전시를 다시 펼쳐 보이기 위해 각각의 전시를 기획한 큐레이터 인터뷰와 각 전시에 출품되었던 작품 일부를 다시 만나볼 수 있을 뿐만 아니라 당시 제작되었던 전시 포스터, 초청장, 도록 등 인쇄물과 문서, 사진, 영상 등 남겨진 기록 자료를 활용하여 과거의 전시를 간접적으로 들여다볼 수 있다. 마지막 ‘전시 이후’에서는 전시 이후에 남겨진 이야기들을 소개한다. 그간 드러나지 않았던 다양한 분야의 전시 참여자들을 소개하고 이야기를 들어봄으로써 전시에 대한 다른 각도의 시선을 생각해본다. 또한 전시는 개최된 이후 언론을 통해 보도되고 알려지는데, 이러한 과정 속에서 전시가 어떤 역할을 하고 어떤 영향을 미칠 수 있는지에 대해 생각해볼 수 있다. 그리고 미래의 전시는 어떤 변화를 맞을 것이며, 전시를 기획하고 보는 방식은 어떻게 변화할 것인지 상상해보기 위해 VR 전시 영상과 전시를 주제로 한 대화형 인공지능 ChatGPT와의 대화 영상을 소개한다. 최근 서울미술관이 개관 10주년을 맞아 지난 10년 간 서울미술관에서 소개되었던 국내외 작가들의 주요작품을 다시 소개함으로써 그동안 서울미술관을 찾았던 관람객에게 추억을 선사하며 좋은 반응을 얻고 있다. 이번 전시 또한 이미 진행했던 전시를 다시 펼쳐 보이는 것은 단지 작품을 다시 보여주는 것을 넘어 전시의 의미와 목적, 역할 등 전시에 대한 다양한 관점을 생각하게 함과 동시에 전시에 참여한 여러 사람들의 이야기를 들어봄으로써 전시에 대한 이해를 확장하게 한다. 전시는 오는 7월 30일까지 진행된다. [허중학 기자]

[서울문화인] 그린 위가 아닌 갤러리라는 공간 그것도 대중들이 생각지 못한 그림 앞에서 작품을 설명하는 모습이 분명 누구에게나 익숙한 모습은 아니지만 담담하게 설명하는 모습에 이미 프로골퍼로서 많은 매체 앞에 서본 그녀지만 그에 못지않게 자신의 작품을 떨림 없이 소개하고 있었다. 지난 12월 16일 종로구 자하문로에 위치한 본화랑에서 아주 이색적인 콜라보전이 개최되고 있어 전시장을 찾았다. 이 전시는 무거운 주제를 이해하기 쉬운 시각적 언어와 색으로 표현하며 책을 그리는 화가, 또는 앵무새작가로 알려져 있는 박선미 작가가 골프를 치지 않는 사람들도 알 수 있는 프로골퍼 전인지(28) 선수와 작가와 작가로 만나 콜라보로 선보이는 ‘앵무새, 덤보를 만나다.’이다. 이번 전시를 이색적인 전시라고 소개한 것은 미술과 스포츠 서로 다른 영역에서 활동하는 두 사람이 함께 미술이라는 장르로 전시회를 갖게 된 것 때문이다. 두 사람이 함께 콜라보 전시를 가지게 된 것은 지난해 12월, 전인지 선수가 박선미 작가의 개인전에서 영감을 받은 후 전인지 선수가 박선미 작가에게 그림을 가르쳐 달라는 요구를 박 작가가 흔쾌히 수락하면서 스승과 제자의 인연이 시작되었고 1년 만에 이렇게 작가와 작가이자 스승과 제자로 첫 콜라보 전시를 갖게 되었다. 새롭게 작가로 변신한 전인지는 “지난해 12월 처음 작가님을 만난 후 저도 그림을 그리고 싶다는 생각이 인연이 되어 선생님으로부터 수업을 받게 되었다. 본격적인 그림 수업은 지난 5월부터 시작되었다. 투어를 마치고 한국에 돌아와서 화실에서 그림을 그리다가 잠든 적도 많았다. 이번 전시회를 앞두고는 작업실에서 26~7시간 작업실에서 나오지 않고 세끼를 모두 서서먹을 수 있는 간단한 음식을 시켜 먹으면서 작업에 매진했었다”고 밝히면서 “전시를 앞두고 설렘도 있었지만 작업을 할 시간이 많지 않아서 두려움도 컸다. 그래서 더 작업할 때 진정성을 담으려 노력했다”고 밝혔다. 또한, “선생님(박선미 작가)과 첫 인연은 당시 오랜 슬럼프로 자신감을 잃고 힘들어할 때, 박선미 작가님이 ‘전인지 선수는 9번째 지능을 가졌다’며 용기를 불어넣어준 게 그림에 도전하는 큰 힘이 됐다”고 밝혔다. 이번 전시회 제목, ‘앵무새, 덤보를 만나다.’는 앵무새를 자신의 작품에 많이 녹여낸 박선미 작가가 전인지 선수의 별명 ‘플라잉 덤보’에서 가져온 타이틀로 전인지 선수의 팬들이 성적이 좋지 않을 때도 항상 환한 미소를 잃지 않는 그녀에게 큰 귀를 펄럭이며 하늘을 나는 애니메이션 주인공인 아기코끼리 ‘플라잉 덤보’라는 별명을 지어줬었고, 전인지 선수의 팬카페 이름이 되기도 했다. 이번 콜라보 전시회에서 박선미 작가는 베토벤의 합창에 모티브를 받은 ‘합창’을 비롯하여 ‘9번째 지능’, ‘Bam!’, ‘자기성찰’ 등 앵무새를 매개체로 그려낸 작품을 전인지 작가는 15번의 우승이 담긴 모자를 쓴 덤보를 표현한 ‘되찾은 나’, 골프선수 여정을 표현한 ‘루트’, 지난 7월 브리티시 여자오픈 당시 간발의 차로 홀 안에 떨어진 장면을 그린 ‘한 끗 차이’, 108개의 물음표를 통해 자신에게 끝없이 질문을 던지는 ‘108’, 선생님께 그림을 가르쳐 달라고 애교부리는 덤보, 선생님이 제자로 받아주셔서 신나서 방방 뛰는 덤보 등 선생님과 인연이 된 당시의 마음을 담은 코끼리 덤보를 그려낸 작품과 함께 앵무새와 코끼리 덤보가 함께 등장하는 콜라보 작품들을 만나볼 수 있다. 전시가 일반에게 공개 되기전 100호 크기의 이 작품은 2000만원에 이미 판매된 가운데 전인지는 이번 전시회의 수익금 전액을 그가 후원하는 랜카스터 교육재단에 기부할 계획이라 밝혔다. 전시는 내년 1월 7일까지 진행된다. [허중학 기자]

[서울문화인] 2021년 ‘이건희컬렉션’이 국립현대미술관(MMCA, 관장 윤범모)으로 이관된 이후 그해 7월부터 두 차례 연장을 이어간 《MMCA 이건희컬렉션 특별전: 한국미술명작》은 전시 종료일인 6월 6일까지 약 25만명(248,704명)이 관람하며 국민들의 큰 관심과 사랑을 받았다. 이는 코로나19 감염병 대유행 속에 안전 관람을 유지하고자 시간당 30명이라는 엄격한 입장제한을 통해 첫 공개되었음에도 엄청난 관람객이 미술관을 찾았다. 특히 마지막 주말 연휴 기간 3일간 총 8,989명이 관람, 몇 시간 씩 줄을 서면서도 관람행렬이 이어지는 등 뜨거운 열기를 보였다. 그리고 올 4월에는 기증 1주년을 맞아 국립중앙박물관과 국립현대미술관이 공동 주최로 국립중앙박물관에서 ‘어느 수집가의 초대–고故 이건희 회장 기증 1주년 기념전’(2022. 4. 28.~8. 28.)이 진행 중에 있다. 국립현대미술관은 ‘이건희컬렉션’을 소개하는 세 번째 전시(미술관 내 두 번째)로 한국인이 가장 사랑하는 작가 중 한 명인 ‘이중섭’ 작가의 작품만을 소개하는 《MMCA 이건희컬렉션 특별전: 이중섭》을 8월 12일(금)부터 서울관에서 선보이고 있다. 국립현대미술관에 기증된 ‘이건희컬렉션’ 1,488점 중 이중섭의 작품은 국내외 작가를 통틀어 유영국, 파블로 피카소에 이어 가장 많고, 회화 및 드로잉의 비중에 있어서는 가장 높은 수치이다. 무엇보다 우리나라 미술사에서 영향력에 걸맞지 않게 이전 국립현대미술관의 이중섭 소장품은 <부부>(1953)와 <투계>(1953) 등 11점에 불과했으나, 104점이 ‘이건희컬렉션’ 기증을 통해 총 115점이 되었다. 특히 1940년대 제작된 엽서화 40점이 대거 소장되어 이번 전시에는 36점이 출품되고, 3점에 머물던 은지화가 총 30점으로 늘어나 전시에는 27점이 출품되었다. 이번 전시에는 115점 중 ‘이건희컬렉션’의 80여 점과 국립현대미술관이 기존 소장하고 있던 작품 10점을 모아 총 90여 점이 선보인다. ‘이건희컬렉션’ 가운데 현재 해외 미술관과 지역 미술관 전시에 출품된 작품은 이번 전시에 제외되었다. 이중섭이 ‘국민작가’로 불리어지고 있지만 국립현대미술관이 이중섭(1916-56)을 조망하는 전시는 지난 2016년 이중섭의 탄생 100주년을 기념하여 국립현대미술관에서 덕수궁관에서 가진 것이 그의 첫 이중섭 개인전이었다. 당시 은지화 3점을 소장하고 있는 뉴욕현대미술관(MoMA)을 비롯하여, 총 60개 소장처로부터 대여한 이중섭의 작품 200여점과 자료 100여점이 소개되었었다. 비록 규모면에서는 당시보다 많지가 않지만 출품작 중에는 <닭과 병아리>(1950년대 전반)와 <물놀이 하는 아이들>(1950년대 전반), 2점은 이건희컬렉션을 통해 처음으로 공개되는 작품이며, <춤추는 가족>(1950년대 전반)과 <손과 새들>(1950년대 전반) 2점은 1980년대 전시된 이후 오랜만에 공개되는 작품이다. 또한, <부부>(1953)와 <투계>(1953)도 이번 전시에서 다시 만나볼 수 있게 되었다. 이중섭은 일제강점기와 해방 전후시대 한국 화단을 대표하는 작가였던 만큼 이번 전시는 이중섭의 작품세계를 1940년대와 1950년대로 나누어 소개하고 있다. 1940년대는 이중섭이 일본 유학 시기부터 원산에 머무를 당시 작업한 연필화와 엽서화를, 1950년대는 제주도, 통영, 서울, 대구에서 그린 전성기의 작품 및 은지화, 편지화 등을 선보인다. 또한, 이들 작품은 재료와 연대를 조합한 공간연출을 통해 한 눈에 감상할 수 있게 전시되었다. 먼저 전시는 이중섭의 1940년대 연필화 4점(여인상2점, 소년상 2점)으로 시작된다. 이 작품은 해방공간 원산에서 그려진 것으로 1940년대 이중섭의 작품 세계를 보여주는 매우 중요한 작품들로 2005년 전시(삼성리움미술관) 이후 한자리에 소개되는 작품으로 훗날 아내가 되는 야마모토 마사코(山本方子, 1921-) 여사를 모델로 한 <여인>(1942)은 폴 고갱(PaulGauguin)의 타히티 시절을 연상케 하고, <소와 여인>(1942)은 인격화한 소와 여인의 사랑을 초현실적으로 풀어내어 이중섭이 일본 유학 시절 접한 서구 미술의 영향을 엿볼 수 있다. 이와는 다르게 <소년>(1942-1945)과 <세 사람>(1942-1945)은 일제강점기 말미의 암울한 현실을 반영한 리얼리즘 시각을 담고 있어 앞선 여인상들과는 대비를 이룬다. 또한, 이번에 소개되는 36점의 엽서화는 이중섭이 남긴 엽서화의 40%에 해당되는 수이다. 이중섭은 연애시절 야마모토 마사코 여사에게 다수의 엽서를 보냈는데 1940년부터 1943년까지 보낸 엽서 중 현재 남아있는 엽서는 88점이며, 국립현대미술관에 기증된 작품 수는 40건(41점)이다. 특히 이중섭의 엽서화는 초현실주의, 야수파, 추상미술의 영향뿐만 아니라 새, 물고기, 연꽃 등 전통적 소재도 활용되어 50년대 완성된 이중섭 작품의 특징 이전의 모습을 확인할 수 있다는 점에서 새롭게 다가온다. 이 외에도 황소와 같은 회화 외에도 그의 대표적인 은지화는 원본과 더불어 15M 대형스크린을 통해 디테일하게 관람할 수 있으며, 출판물의 표지의 그의 그림과 삽화가 실린 간행물도 만나볼 수 있다. 2023년 4월 23일(일)까지 진행되는 이번 전시는 코로나19 확산방지 및 안전하고 쾌적한 관람환경을 위해 온라인 사전예약(mmca.go.kr)과 현장접수로 운영된다. 일 7회차(오전 10시~ 오후 4시 매 정시 사전예약자 입장, 매 30분 현장접수자 입장)로 운영되며, 야간개장 시 4회차 추가(오후 5시~오후 8시 매 정시 사전예약자 입장, 17:30, 18:30, 19:30 현장접수자 입장) 운영된다. [허중학 기자]